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예술적 기법은 무엇을 위한 것인가? 먼저 어떤 이미지와 표현력, 아름다움을 함축하는 어떤 스타일에 작품이 대응하기 위해서다. 게다가 작가는 연상의 대가이자 말의 예술가이자 위대한 명상가이다. 예술적 기법시와 산문에서 텍스트를 더 깊게 만듭니다. 결과적으로 산문 작가와 시인 모두 한 층의 언어에 만족하지 않고, 단어의 피상적이고 기본적인 의미만을 사용하는 데 국한되지 않습니다. 생각의 깊이, 이미지의 본질을 꿰뚫기 위해서는 다양한 예술적 수단이 필요하다.

또한 독자를 유인하고 끌어들여야 합니다. 이를 위해 이야기에 특별한 관심을 주는 다양한 기술과 풀어야 할 미스터리가 사용됩니다. 예술적 수단은 다른 경로로 불립니다. 이것들은 필수적인 요소일 뿐만 아니라 전체 그림세계의 세계뿐만 아니라 작가의 평가, 작품의 배경과 전반적인 분위기, 우리가 다른 작품을 읽을 때 때때로 생각조차하지 않는 많은 다른 것들.

주요 예술적 장치는 은유, 소명 및 비교입니다. 이 별명은 종종 일종의 은유로 간주되지만, 우리는 "문학 비평"이라는 과학의 광야로 들어가지 않고 전통적으로 그것을 별도의 수단으로 단일화하지 않을 것입니다.

별명

별명은 설명의 왕입니다. 하나의 풍경, 인물, 인테리어도 그것 없이는 완성되지 않습니다. 때로는 잘 선택된 하나의 소명이 설명을 위해 특별히 작성된 전체 단락보다 훨씬 더 중요합니다. 대부분의 경우 그것에 대해 이야기할 때 추가 속성과 특성을 가진 이 또는 저 예술적 이미지를 부여하는 분사 또는 형용사를 의미합니다. 소명은 간단한 정의와 혼동되어서는 안됩니다.

따라서 예를 들어 다음과 같은 단어가 눈을 설명하기 위해 제안될 수 있습니다. 활기찬, 갈색, 밑바닥 없는, 큰, 채색된, 교활한. 이러한 형용사를 객관적(자연적) 속성과 주관적(추가적) 특성의 두 그룹으로 나누어 보겠습니다. "big", "brown" 및 "make up"과 같은 단어는 표면에 있기 때문에 누구나 볼 수 있는 것만 의미를 전달한다는 것을 알게 될 것입니다. 특정 영웅의 모습을 상상하기 위해서는 그러한 정의가 매우 중요합니다. 그러나 그의 내면의 본질, 성격에 대해 가장 잘 알려줄 것은 "바닥 없는", "살아있는", "교활한" 눈입니다. 우리는 우리 앞에 무엇이 있는지 추측하기 시작합니다 특이한 사람다양한 발명을 하는 경향이 있으며, 활발하고 움직이는 영혼을 가지고 있습니다. 이것은 정확히 소명의 주요 속성입니다. 초기 검사 중에 우리에게 숨겨진 기능을 나타냅니다.

은유

똑같이 중요한 또 다른 비유인 은유로 넘어가자. 명사로 표현되는 비교. 여기서 저자의 임무는 현상과 대상을 비교하는 것이지만 독자가 우리가 이 대상을 그에게 부과하고 있다는 것을 추측할 수 없도록 매우 신중하고 재치 있게 비교하는 것입니다. 맞습니다. 암시적으로 그리고 자연스럽게, 모든 예술적 기법을 사용해야 합니다. "이슬의 눈물", "새벽의 불" 등. 여기서 이슬은 눈물에 비유되고 새벽은 불에 비유됩니다.

비교

마지막으로 가장 중요한 예술적 장치는 "~처럼", "~처럼", "~처럼", "정확히", "~처럼"과 같은 결합을 사용하여 직접적으로 제공되는 비교입니다. 예를 들면 다음과 같습니다. 눈물 같은 이슬; 노인 같은 나무. 그러나 소명, 은유 또는 비교의 사용은 "빨간 단어"만을 위한 것이어서는 안 됩니다. 텍스트에 혼돈이 없어야 하며 우아함과 조화를 지향해야 합니다. 따라서 이 비유나 저 비유를 사용하기 전에 사용 목적, 우리가 말하고자 하는 바를 명확하게 이해해야 합니다.

더 복잡하고 덜 일반적인 다른 예술 기법은 과장법(과장), 정반대(반대) 및 반전( 역순으로단어).

대조법

대조와 같은 비유에는 두 가지 종류가 있습니다. 좁을 수 있고(한 단락 또는 문장 내에서) 확장할 수 있습니다(여러 장 또는 페이지에 배치). 이 기술은 두 문자를 비교해야 할 때 러시아 고전 작품에서 자주 사용됩니다. 예를 들어 Alexander Sergeevich Pushkin은 그의 이야기에서 " 캡틴의 딸"Pugachev와 Grinev를 비교하고 조금 후에 Nikolai Vasilyevich Gogol은 유명한 형제 Andriy와 Ostap의 초상화를 그 반대에 기반하여 만들 것입니다. 소설 "Oblomov"의 예술적 기술에도이 비유가 포함됩니다.

쌍곡선

Hyperbole은 서사시, 동화 및 발라드와 같은 문학 장르에서 가장 좋아하는 장치입니다. 그러나 그것은 그들에게서만 발견되는 것은 아닙니다. 예를 들어 "그는 멧돼지를 먹을 수 있었다"라는 과장법은 모든 소설, 단편 소설, 그리고 현실적 전통의 다른 작품에서 사용할 수 있습니다.

반전

우리는 작품에서 예술적 기법을 계속 설명합니다. 예상할 수 있듯이 반전은 작업에 추가적인 감성을 부여하는 역할을 합니다. 그것은 시에서 가장 자주 관찰되지만 종종 이 비유는 산문에서도 사용됩니다. "이 여자는 다른 여자보다 더 아름다웠다."라고 말할 수 있습니다. 그리고 당신은 "이 여자는 다른 여자보다 더 아름다웠다!"라고 외칠 수 있습니다. 즉시 열정과 표현 등이 있습니다. 두 진술을 비교할 때 볼 수 있습니다.

반어

다음 비유인 아이러니는 숨겨진 작가의 조롱과 같은 방식으로 소설에서도 자주 사용됩니다. 물론 진지한 작품은 진지해야 하지만 아이러니에 숨겨진 서브텍스트는 작가의 위트를 보여줄 뿐만 아니라 독자로 하여금 숨을 고르게 하고 더 강렬한 다음 장면을 준비하게 만든다. V 유머러스한 작품아이러니는 대체할 수 없습니다. 이것의 위대한 주인은 그들의 이야기에서 이 비유를 사용하는 Zoshchenko와 Chekhov입니다.

풍자

또 다른 하나는 이 기법과 밀접하게 관련되어 있습니다. 더 이상 단순히 좋은 웃음이 아니라 단점과 악덕을 드러내고 때로는 과장하고 아이러니는 일반적으로 밝은 분위기를 만듭니다. 이 흔적을 더 완벽하게 이해하기 위해 Saltykov-Shchedrin의 여러 동화를 읽을 수 있습니다.

의인

다음 단계는 가장입니다. 그것은 우리가 우리 주변 세계의 삶을 보여줄 수 있게 해줍니다. 투덜거리는 겨울, 춤추는 눈, 노래하는 물 등의 이미지가 있다. 즉, 의인화는 애니메이션 개체의 속성을 무생물 개체로 이전하는 것입니다. 그래서 우리 모두는 사람과 동물만이 하품을 할 수 있다는 것을 압니다. 그러나 문학에서는 하품하는 하늘이나 하품하는 문과 같은 예술적 이미지가 종종 발견됩니다. 그 중 첫 번째는 독자에게 특정 분위기를 조성하고 인식을 준비하는 데 도움이 될 수 있습니다. 두 번째는 이 집의 졸린 분위기, 아마도 외로움과 지루함을 강조하는 것입니다.

옥시모론

Oxymoron은 부조화의 조합인 또 다른 흥미로운 트릭입니다. 이것은 정당한 거짓말이기도 하고 정통 악마. 예기치 않게 선택된 그러한 단어는 SF 작가와 철학 논문을 좋아하는 사람들 모두가 사용할 수 있습니다. 때때로 하나의 모순어법만으로도 존재의 이원론과 풀리지 않는 갈등, 미묘한 아이러니한 함축을 모두 지닌 전체 작품을 완성하기에 충분합니다.

기타 예술적 기법

흥미롭게도 앞 문장에서 사용된 "and, and, and"도 다중 결합이라는 예술적 의미 중 하나입니다. 무엇을 위한 것입니까? 우선, 이야기의 범위를 확장하고 예를 들어 사람이 아름다움과 지성, 용기와 매력을 모두 가지고 있음을 보여주기 위해 ... 그리고 영웅도 낚시, 수영, 책 쓸 줄 알고, 집을 짓다 ...

대부분이 비유는 다른 것과 함께 사용됩니다. 이것은 다른 것 없이 하나를 상상하기 어려운 경우입니다.

그러나 이것이 모든 예술적 기술과 수단은 아닙니다. 참고 수사학적 질문. 답을 요구하지는 않지만 동시에 독자로 하여금 생각하게 만듭니다. 아마도 모든 사람들이 그들 중 가장 유명한 것을 알고 있습니다. "누가 책임이 있습니까?" "무엇을 할 것인가?".

이것들은 기본적인 예술적 기법일 뿐입니다. 그 외에도 parling(문장 분할), synecdoche(복수 대신 단수가 사용되는 경우), anaphora(문장의 유사한 시작), epiphora(끝 반복), litote(과소 표현) 및 과장법(on)을 구별할 수 있습니다. 반대로, 과장), 주변구 (어떤 단어가 간단한 설명으로 대체되는 경우. 이러한 모든 수단은 시와 산문에서 모두 사용할 수 있습니다. 시와 예를 들어 이야기의 예술적 기법은 근본적으로 다르지 않습니다.

문학 작품을 하고 싶은 사람에게 바라는 점은 무엇인가요? 첫째, 영감과 꿈. 이것이 없으면 어떤 창의성도 생각할 수 없습니다. 그래야만 공예가 예술이 됩니다! 그러나 사람이 글을 쓰기 시작하려면 선험적으로 많이 읽어야 합니다. 처음에 문학 읽기의 방법은 다음에서 연구되었습니다. 고등학교. 작품의 실제 내용, 주요 아이디어, 캐릭터를 움직이는 동기 및 감정을 이해하는 것이 중요합니다. 이를 바탕으로, 전체론적 분석. 또한 자신의 삶의 경험이 중요한 역할을 합니다.

문학적 장치의 역할

문학 활동의 지지자는 표준 기술(소명, 비교, 은유, 아이러니, 암시, 말장난 등)을 신중하고 적당히 사용해야 합니다. 어떤 이유에서인지 거의 드러나지 않는 비밀은 그것이 부차적이라는 것입니다. 실제로, 예술 작품을 쓰는 능력을 마스터하는 것은 종종 비평에 의해 특정 도구를 사용하는 능력으로 해석됩니다. 문학적 장치.

그들의 본질에 대한 인식과 이해는 작곡과 작사에게 무엇을 줄까요? 비유적으로 대답합시다. 오리발이 수영을 시도하는 사람에게 줄 것과 거의 같습니다. 사람이 수영을 할 수 없다면 오리발은 그에게 쓸모가 없습니다. 즉, 문체의 언어적 속임수는 그 자체로 저자에게 목적이 될 수 없습니다. 문학적 장치가 무엇인지 아는 것만으로는 충분하지 않습니다. 생각, 환상으로 사람들을 사로잡을 수 있어야 합니다.

은유

주요 문학 장치를 정의합시다. 은유는 한 주제나 대상의 속성을 다른 속성으로 적절하게 창의적으로 대체하는 것입니다. 그러한 경로는 비정상적이고 신선한 모습작품의 디테일과 에피소드에 대해 예를 들어 푸쉬킨 ( "사랑의 샘", "강의 거울")과 Lermontov ( "생명의 바다", "튀는 눈물")의 잘 알려진 은유가 있습니다.

실제로 시는 서정적 본성을 위한 가장 창의적인 길입니다. 아마도 그렇기 때문에 시의 문학적 장치가 가장 눈에 띈다. 일부 예술적 산문 작품구절에서 산문이라고합니다. Turgenev와 Gogol은 그렇게 썼습니다.

소명과 비교

소명과 같은 문학적 장치는 무엇입니까? 작가 V. Soloukhin은 그들을 "말의 옷"이라고 불렀습니다. 소명의 본질에 대해 가능한 한 간략하게 이야기하면 대상이나 현상의 본질을 특징 짓는 것은 바로 단어입니다. "위대한 자작 나무", "황금 손", "빠른 생각"과 같은 예를 들어 보겠습니다.

예술적 기법으로서의 비교는 표현력을 높이기 위해 사회적 행위를 자연 현상과 비교할 수 있게 한다. '~처럼', '~처럼', '~처럼'이라는 특징적인 단어로 본문에서 쉽게 볼 수 있습니다. 종종 비교는 깊은 창조적 반영으로 작용합니다. 인용문을 기억하자 유명한 시인그리고 19세기 홍보가 Pyotr Vyazemsky: "노년에 우리의 삶은 낡아빠진 드레싱 가운입니다. 입는 것은 부끄럽고 그것을 놔두는 것은 유감입니다."

말장난

말장난이란 무엇입니까? 우리는 예술 작품에서 동음이의어와 다의어의 사용에 대해 이야기하고 있습니다. 모두에게 잘 알려져 있고, 모든 사람들에게 사랑받는 농담은 이렇게 만들어집니다. 이러한 단어는 A.P. Chekhov, Omar Khayyam, V. Mayakovsky와 같은 고전에서 자주 사용됩니다. 예를 들어 Andrei Knyshev의 말을 인용해 보겠습니다. "집 안의 모든 것이 도난당했고 공기조차 어떻게든 부패했습니다." 교묘하게 말한거 아닙니까!

그러나 말장난이 있는 문학적 장치의 이름에 관심이 있는 사람들은 말장난이 항상 우스꽝스럽다고 생각해서는 안 됩니다. N. Glazkov의 잘 알려진 생각으로 이것을 설명하겠습니다. "범죄자들도 선한 것에 끌리지만 불행히도 다른 사람의 것에도 끌립니다."

그러나 우리는 더 많은 일화적인 상황이 있다는 것을 알고 있습니다. 즉시 또 다른 말장난이 떠오릅니다. 범죄자와 꽃을 비교하는 것입니다(첫 번째는 먼저 자란 다음 심고 두 번째는 그 반대).

그렇더라도 말을 유희하는 문학적 장치는 공용어에서 유래했습니다. Mikhail Zhvanetsky의 Odessa 유머가 말장난이 풍부한 것은 우연이 아닙니다. 사실이 아닙니까? 유머의 거장인 "자동차는 가방에 넣어 수집했습니다."라는 문구가 인상적입니다.

말장난을 만들 수 있습니다. 도전!

당신이 정말 유머 감각이 뛰어나다면 말장난이 있는 문학적 장치가 당신의 노하우입니다. 품질과 독창성을 위해 노력하십시오! 독특한 말장난을 만드는 대가는 항상 수요가 있습니다.

이 기사에서는 작가의 도구 중 일부만 해석하는 것으로 제한했습니다. 사실, 더 많습니다. 예를 들어, 은유와 같은 기술에는 의인화, 환유("그는 세 접시를 먹었다")가 포함됩니다.

문학 장치 포물선

작가와 시인은 종종 단순히 역설적인 이름을 지닌 도구를 사용합니다. 예를 들어, 문학적 장치 중 하나는 "포물선"이라고 합니다. 그러나 문학은 유클리드 기하학이 아닙니다. 그것은 아마 놀랄 것이다 고대 그리스 수학자, 2차원 기하학의 창시자, 곡선 중 하나의 이름도 문학적 사용을 발견했다는 것을 알게 되었습니다! 왜 이런 현상이 일어나는 것일까요? 그 이유는 아마도 포물선 함수의 속성 때문일 것입니다. 무한대에서 시작하여 무한대로 가는 값의 배열은 같은 이름의 비유적 표현과 유사합니다. 그래서 문학적 장치 중 하나를 "포물선"이라고합니다.

이 장르 형식은 전체 내러티브의 특정 구성에 사용됩니다. 유명한 헤밍웨이 이야기를 생각해 보십시오. 그것은 시조와 유사한 법률에 따라 작성되었습니다. 기하 도형. 이야기의 과정은 마치 멀리서 시작되는 것처럼 - 어려운 설명어부의 삶, 그런 다음 저자는 쿠바 어부 산티아고의 정신의 위대함과 무적과 같은 본질을 말하고 이야기가 다시 무한대로 가면 전설의 파토스를 얻습니다. 같은 방식으로 Kobo Abe는 소설 비유 "The Woman in the Sand"를 썼고 Gabriel Garcia Márquez는 "백년의 고독"을 썼습니다.

분명히, 포물선의 문학적 장치는 이전에 우리가 설명한 것보다 더 글로벌합니다. 작가의 사용을 알아차리기 위해서는 특정 단락이나 장을 읽는 것만으로는 충분하지 않습니다. 이를 위해서는 전체 작품을 통독할 뿐만 아니라 플롯의 전개, 작가가 공개한 이미지, 일반적인 문제. 이러한 분석 방법은 문학 작품특히 작가가 포물선을 사용했다는 사실을 결정할 수 있습니다.

창의성과 예술적 기법

사람이 문학 작업을 하는 것이 언제 쓸모가 없습니까? 대답은 매우 구체적입니다. 흥미로운 방식으로 아이디어를 표현하는 방법을 모를 때입니다. 다른 사람들이 당신의 이야기를 듣지 않거나 영감이 없다면 지식으로 무장하여 글쓰기를 시작해서는 안됩니다. 효과적인 문학적 장치를 사용해도 도움이 되지 않습니다.

재미있는 주제가 있고, 등장인물이 있고, 흥미진진한(작가의 주관적인 생각에 따라) 줄거리가 있다고 가정해 보겠습니다. 그런 상황에서도 간단한 테스트를 통과하는 것이 좋습니다. 스스로 정리해야 합니다. 당신의 관심사를 완벽하게 대변하는 잘 알려진 사람이 당신의 작업 아이디어에 관심을 갖도록 할 수 있는지 확인하십시오. 결국, 사람들의 유형은 반복됩니다. 하나에 관심이 있으면 수만 명의 관심을 가질 수 있습니다 ...

창의성과 구성에 대해

물론 저자는 독자와 관련하여 무의식적으로 자신을 목사나 조작자 또는 정치 전략가와 연관시키는 경우 글쓰기를 중단하고 계속해서는 안됩니다. 잠재의식적 우월감으로 청중을 모욕할 수는 없습니다. 독자는 이것을 알아차릴 것이며 저자는 그러한 "창의력"에 대해 용서받지 못할 것입니다.

청중에게 동등하고 동등하듯이 간단하고 매끄럽게 말하십시오. 모든 문장, 모든 단락으로 독자의 관심을 끌어야 합니다. 텍스트가 흥미롭고 사람들이 관심을 가질 만한 아이디어를 전달하는 것이 중요합니다.

그러나 이것조차 문학에 종사하려는 사람에게는 충분하지 않습니다. 말하는 것과 쓰는 것은 다른 것입니다. 문학적 기법은 작곡을 할 수 있는 작가의 능력을 요구합니다. 이를 위해 그는 문학 텍스트를 작성하고 설명, 대화 및 행동의 세 가지 주요 요소를 결합하는 연습을 진지하게 해야 합니다. 플롯의 역학은 관계에 따라 다릅니다. 그리고 이것은 매우 중요합니다.

설명

설명은 플롯을 특정 장소, 시간, 계절, 문자 집합과 연결하는 기능을 수행합니다. 기능적으로는 극장의 풍경과 비슷합니다. 물론 작가는 초기에 구상 단계에서도 서사의 상황을 충분히 자세하게 제시하지만, 사용된 문학적 기법을 최적화하여 점차적으로, 예술적으로 독자에게 제시해야 한다. 예를 들어, 예술적 특성저자의 작품의 성격은 일반적으로 다양한 에피소드에서 주어진 별도의 획, 획으로 제공됩니다. 동시에 소명, 은유, 비교가 제공됩니다.

사실 인생에서도 처음에는 눈에 띄는 특징(키, 체격)에 주목하고 그 다음에야 눈 색깔, 코 모양 등을 고려한다.

대화

대화는 작품 속 영웅들의 심리유형을 보여주는 좋은 도구이다. 독자는 종종 성격, 성격, 사회적 지위에 대한 이차적인 설명, 한 인물의 행동에 대한 평가, 같은 작품의 다른 영웅의 의식에 반영되는 것을 봅니다. 따라서 독자는 캐릭터에 대한 심층적 인식(좁은 의미)과 작가가 창작한 작업의 사회 특성(광의의 의미)을 모두 이해할 수 있는 기회를 얻습니다. 대화에서 작가의 문학적 기법은 최고 수준이다. 가장 눈에 띄는 예술적 발견과 일반화가 얻어지는 것은 바로 그들(빅토르 펠레빈의 작품)입니다.

그러나 대화는 이중 주의해서 사용해야 합니다. 결국 너무 과하면 작업이 부자연스러워지고 줄거리가 무례해집니다. 대화의 주요 기능은 작품 속 등장인물의 의사소통이라는 것을 잊지 마십시오.

동작

액션은 문학 서사에 없어서는 안될 요소입니다. 그것은 플롯의 강력한 작가 요소로 작용합니다. 이 경우 행동은 물체와 캐릭터의 물리적 움직임뿐만 아니라 예를 들어 시련을 설명할 때 갈등의 모든 역학입니다.

초보자를위한주의 사항 : 독자에게 행동을 제시하는 방법에 대한 명확한 아이디어가 없으면 작업을 시작해서는 안됩니다.

행동을 설명하는 데 사용되는 문학적 장치는 무엇입니까? 그것들이 전혀 존재하지 않는 것이 가장 좋습니다. 작품 속 액션 장면은 아무리 환상적일지라도 가장 일관되고 논리적이며 가시적이다. 덕분에 독자는 예술적으로 묘사된 사건을 다큐멘터리로 보는 듯한 인상을 받습니다. 실제 펜의 대가만이 행동을 기술할 때 문학적 기법을 사용할 수 있도록 허용할 수 있습니다(Sholokhov의 " 조용한 돈"그의 사랑하는 사람의 죽음에 충격을 받은 Grigory Melekhov의 눈앞에 눈부신 검은 태양이 나타나는 장면).

고전의 문학적 수용

작가의 솜씨가 늘어남에 따라 자신의 이미지가 점점 더 선 뒤에서 더 볼륨있게 나타나며 문학적 예술적 기법은 점점 더 정교해집니다. 작가가 직접 자신에 대해 쓰지 않더라도 독자는 그를 느끼고 틀림없이 "이것이 Pasternak입니다!"라고 말합니다. 또는 "이 사람은 도스토예프스키입니다!" 여기에 어떤 비밀이 있습니까?

작가는 창작을 시작하면서 자신의 이미지를 점차적으로 조심스럽게 배경에 배치합니다. 시간이 지남에 따라 그의 펜은 더욱 능숙해집니다. 그리고 작가는 필연적으로 자신의 작품에 창의적인 방법상상의 자아에서 현재의 자아로. 그의 스타일이 인식되기 시작했습니다. 모든 작가와 시인의 작품에서 주된 문학적 장치는 바로 이 변형이다.

화재 예술적 창의성, 사회적으로 결정된 예술가의 정서적, 지적 특성, 예술적 재능으로 표현되는 사람의 능력, 예술적 재능은 예술의 새로운 방향을 여는 천재와 다릅니다 (예술적 천재 참조). 예술적 재능은 창의성의 본질과 가능성, 예술가가 선택한 예술 유형(또는 여러 유형의 예술), 관심 범위 및 예술가와 현실의 관계 측면을 결정합니다. 동시에 예술가의 예술적 재능은 아이디어와 디자인의 예술적 구현을 ​​위한 안정적인 원칙으로서 개별적인 방법과 스타일 없이는 생각할 수 없습니다. 작가의 개성은 작품 자체에서 드러날 뿐만 아니라 작품 창작의 전제조건으로 존재한다. 예술가의 예술적 재능은 특정한 사회경제적, 정치적 상황에서 실현될 수 있다. 인간 사회의 역사에서 분리된 시대는 예술적 재능(고전 고대, 르네상스, 동양의 이슬람 르네상스)의 배치 및 실현에 가장 유리한 조건을 만듭니다.

예술적 재능을 실현하는 데있어 정신적 분위기뿐만 아니라 사회 경제적 및 정치적 조건의 결정적인 중요성을 인식하는 것이 절대화를 의미하지는 않습니다. 작가는 한 시대의 산물일 뿐만 아니라 그 시대를 창조한 사람이기도 하다. 의식의 본질적 속성은 반영일 뿐만 아니라 현실의 변형이기도 하다. 예술적 재능의 실현을 위해서는 주관적인 작업 능력의 순간, 모든 감정적, 지적 및 의지의 힘을 동원하는 예술가의 능력이 매우 중요합니다.

구성(프랑스어 sujet 주제) 예술적 이해의 방법, 사건의 조직(즉, 줄거리의 예술적 변형). 특정 플롯의 특수성은 그 근거가 된 실화와 비교할 때뿐만 아니라 설명을 비교할 때도 명확하게 나타납니다. 인간의 삶다큐멘터리와 소설, 회고록과 소설에서. 사건의 기초와 예술적 재현의 구분은 아리스토텔레스로 거슬러 올라가지만 용어의 개념적 구분은 20세기에 와서야 이루어졌다. 러시아에서 "플롯"이라는 단어는 오랫동안 "테마"라는 단어와 동의어였습니다(회화와 조각 이론에서는 지금도 종종 이런 의미로 사용됩니다).

지난 세기 말 문학과 관련하여 사건의 체계, 또는 AN Veselovsky의 정의에 따르면 동기의 합(즉, 일반적으로 다른 전문 용어 전통에서 음모라고 불리는 것)을 의미하기 시작했습니다. . 러시아 "정식 학교"의 학자들은 줄거리를 처리로 간주하여 주요 자료에 형태를 부여할 것을 제안했습니다. .

플롯을 변형하는 가장 일반적인 방법은 시계열의 불가침성의 파괴, 사건의 재배열, 행동의 병렬 전개입니다. 더 복잡한 기술은 에피소드 간의 비선형 관계를 사용하는 것입니다. 이것은 상황, 등장인물, 에피소드 시퀀스의 연관 롤 호출인 "운"입니다. 텍스트는 서로 다른 관점의 충돌, 내러티브 개발을 위한 상호 배타적인 옵션의 비교(A. Murdoch "The Black Prince"의 소설, A. Caillat의 영화 "Married Life", 등.). 중심 테마시각적, 색상 및 사운드 범위에서 여러 계획(사회, 가족, 종교, 예술)으로 동시에 발전할 수 있습니다.

일부 연구자들은 동기, 작업의 내부 연결 시스템, 내레이션 방식이 줄거리의 영역에 속하지 않고 단어의 엄격한 의미에서의 구성에 속한다고 믿습니다. 줄거리는 묘사 된 움직임, 영적 충동의 제스처, 말 또는 "생각할 수 있는"단어의 사슬로 간주됩니다. 그는 줄거리와 일치하여 등장인물들 자신과 상황, 즉 작품의 갈등 사이의 관계와 모순을 그립니다. 모더니스트 예술에는 플롯이 없는 경향이 있습니다(그림의 추상화, 플롯 없는 발레, 무조 음악 등).

줄거리는 문학과 예술에서 중요합니다. 플롯 연결의 시스템은 갈등, 행동의 성격을 드러내고 시대의 큰 문제가 반영됩니다.

미학적 분석 방법 (그리스 방법론에서 - 연구, 이론, 가르침의 길) - 자연 연구와 관련된 유물론적 변증법의 기본 원리 구체화 예술적 창의성, 미적 및 예술 문화, 다양한 형태의 현실 미학적 탐구.

실재의 미학적 동화의 다양한 영역에 대한 분석의 주요 원칙은 예술 연구 분야에서 가장 완전히 발전된 역사주의의 원칙입니다. 그는 현실 그 자체에 의한 조건성과 관련하여 예술에 대한 연구로서 예술적 시리즈의 현상과 비예술적 현상의 비교, 동일시를 가정한다. 사회적 특성예술적 창의성의 독립적 논리와 관련하여 예술 자체 내의 시스템 구조 형성의 공개뿐만 아니라 예술의 발전을 결정합니다.

특정 범주 장치가있는 철학적 및 미적 방법론과 함께 현대 미학은 형식화 된 수준의 예술적 창의성 연구에서 주로 보조적으로 중요한 사립 과학의 다양한 방법, 분석적 접근 방식을 사용합니다. 사적 과학의 사적 방법과 도구(기호학, 구조 기능 분석, 사회학적, 심리학적, 정보적 접근, 수학적 모델링 등)에 대한 호소는 현대 과학 지식의 본질에 해당하지만 이러한 방법은 과학적 방법론과 동일하지 않습니다. 예술 연구에서 그들은 "주제의 유사체"(F. Engels)가 아니며 현실에 대한 미학적 탐구의 본질에 적합한 철학적, 미학적 방법의 역할을 주장할 수 없습니다.

컨셉 아트 70년대의 예술적 아방가르드 유형 중 하나. 이른바 아방가르드 발전의 세 번째 단계와 관련이 있습니다. 네오 아방가르드.

개념 예술의 지지자들은 예술적 이미지를 생성할 필요성을 부인하고(예를 들어, 그림에서 그것들은 무한한 내용의 비문으로 대체되어야 함), 순수 지적 공동 창조의 과정을 활성화하기 위해 개념을 사용하는 예술의 기능을 봅니다.

개념미술의 산물은 회화성이 절대적으로 결여된 것으로 간주되며 c.-l을 재현하지 않는다. 정신적 해석의 결과인 실제 대상의 속성. 개념미술의 철학적 정당화를 위해 칸트, 비트겐슈타인, 지식사회학 등의 철학에서 차용한 아이디어의 절충적 혼합이 사용된다. - 사회의 영적 삶의 영역에서 부르주아 무정부주의와 개인주의.

구성주의 (위도 구성에서 - 건설, 건설) - 20년대 소비에트 미술의 형식주의적 경향으로, 이미지가 아니라 기능적이고 건설적인 사회와 예술의 전체 예술 문화를 재구성하기 위한 프로그램을 제시했습니다. 양식의 편의.

구성주의는 1920년대와 1930년대의 소비에트 건축과 다른 형태의 예술(영화, 연극, 문학)에서 널리 퍼졌습니다. 소비에트 구성주의와 거의 동시에 구성주의 운동이 호출되었습니다. 네덜란드에서 신생물이 생겼고 독일 바우하우스에서도 비슷한 경향이 나타났습니다. 많은 예술가들에게 구성주의는 작업의 한 단계에 불과했습니다.

구성주의는 과학의 역할의 절대화와 기술의 미학화, 과학과 기술이 사회 및 문화 문제를 해결하는 유일한 수단이라는 믿음이 특징입니다.

구성주의 개념은 발전의 여러 단계를 거쳤습니다. 구성주의자들의 공통점은 다음과 같습니다. 예술 작품을 예술가가 만든 실제 구성으로 이해하는 것; 새로운 형태의 예술 작품을 위한 투쟁과 건축의 미학적 가능성을 마스터하려는 열망. 그 존재의 마지막 단계에서 구성주의는 형식적 미학적 방법을 정식화하는 시기에 들어섰다. 그 결과 '디자인의 선구자'의 공로가 발견된 기술적 구조의 미학적 가능성이 절대적이었다. 구성 주의자들은 구성에 대한 형태의 의존이 문화적 역사적 사실의 조합에 의해 매개된다는 사실을 고려하지 않았습니다. 결과적으로 그들의 프로그램인 "예술의 공공성"은 미학적 대상을 물질적, 물리적 기반으로 환원하고 순수한 형태-창조로 환원시키는 파괴 프로그램이 되었다. 예술의 인지적, 이데올로기적, 미학적 측면, 국가적 특수성과 이미지가 전체적으로 사라지면서 예술의 비객관성이 생겨났다.

동시에 재료의 형태를 지배하는 법칙을 확인하려는 시도, 조합적 특징의 분석(V. Tatlin, K. Malevich)은 창의성의 재료 및 기술 측면에 대한 새로운 접근 방식의 개발에 기여했습니다.

구성(lat. compositio 배열, 구성, 추가) - 예술 작품을 구성하는 방법, 동일한 유형과 이질적인 구성 요소 및 부분의 연결 원리, 서로 일치하고 전체와 일치합니다. 구성은 특정 유형 및 장르의 예술에 내재 된 형성 방법 및 인식의 특성, 정식 문화 유형 (예 : 민속, 고대 이집트 예술, 동양 , 서유럽 중세 등), 개인의 독창성 작가는 물론이고, 정경화되지 않은 문화(신현대의 유럽미술, 바로크, 낭만주의, 리얼리즘 등)에서 작품의 독특한 내용을 담고 있다. ).

작품의 구성은 구체화되고 주제의 예술적 발전, 작가의 도덕적, 미학적 평가에 의해 결정됩니다.S. Eisenstein에 따르면 작가의 의도, 사고 및 이데올로기의 적나라한 신경입니다. 간접적으로(음악에서) 또는 보다 직접적으로(음악에서) 미술) 구성은 예술 작품에 반영된 객관적이고 영적 세계와 함께 삶의 과정의 법칙과 관련이 있습니다. 그것에서 예술적 내용과 그 내부 관계가 형식 관계로, 형식의 질서가 내용의 질서로 이행됩니다. 이러한 예술 영역의 구성 법칙을 구별하기 위해 건축학(내용 구성 요소의 관계)과 구성(형태 구성 원리)이라는 두 가지 용어가 사용되기도 합니다. 또 다른 유형의 차별화가 있습니다. 구조의 일반적인 형태와 작품의 많은 부분을 상호 연결하는 것을 건축학(예: 시적 텍스트의 연)이라고 하고 더 분수적인 구성 요소의 구성 요소를 상호 연결하는 것을 구성이라고 합니다( 예를 들어, 시적 대사의 배열과 연설 자료 자체). 건축 이론 및 주제 환경의 조직화에서 관련 개념의 또 다른 쌍이 사용된다는 점을 고려해야 합니다. 구성(기능을 식별하여 달성되는 형태의 물질적 구성 요소의 통일성) 및 구성(예술적 완성 특성을 고려하여 건설적이고 기능적인 열망에 대한 강조 시각적 인식그리고 예술적 표현력, 장식성 및 형태의 완전성).

구성의 개념은 60년대와 70년대에 보편화된 개념과 구별되어야 합니다. 안정적이고 반복적인 원리로서의 예술 작품의 구조 개념, 예술의 특정 유형, 종류, 장르, 스타일 및 방향의 구성 규범. 구조와 달리 구성은 예술 작품을 구성하는 데 있어 규범적 유형론적, 개별적으로 고유한 경향의 통일성, 융합 및 투쟁입니다. 규범성과 개별 독창성의 정도, 구성의 독창성은 예술 유형에 따라 다릅니다(참조. 유럽의 고전주의그리고 "무제한" 낭만주의), 같은 유형의 예술의 다양한 장르에서(비극의 구성 규범성은 드라마보다 더 뚜렷하고 소네트는 서정적 메시지보다 헤아릴 수 없을 정도로 높습니다). 구성 수단은 예술의 특정 유형과 장르에 따라 다르며 동시에 상호 영향이 의심의 여지가 없습니다. 극장은 조형 예술의 피라미드 및 대각선 구성을 마스터했으며 플롯 주제 회화는 무대의 무대 구성을 마스터했습니다. . 다른 종류예술은 직간접적으로, 의식적, 무의식적으로 음악 구성의 구성 원리(예: 소나타 형식)와 소성 비율(참조)을 흡수했습니다.

XX 세기의 예술에서. 일시적인 변화와 공간적 이동을 통해 연관 연결, 기억, 꿈의 포함 증가로 인해 구성 구성의 복잡성이 있습니다. 구성은 또한 전통 예술과 "기술" 예술이 융합되는 과정에서 더욱 복잡해집니다. 모더니즘의 극단적인 형태는 이러한 경향을 절대화하고 비합리적이고 부조리한 의미를 부여합니다(“새로운 소설”, 부조리의 극장, 초현실주의 등).

일반적으로 예술의 구성은 다음을 표현합니다. 예술적 아이디어작업의 한 구성 요소에서 다른 구성 요소로, 부분에서 전체로 이동하는 방식으로 미적 인식을 구성합니다.

직관 예술적 (라틴어 intuitio - 관조에서) - 예술적 사고의 이러한 측면에 영향을 미치는 창조적 사고의 가장 중요한 요소

창의성, 지각, 진실로서의 활동과 예술적 의식. 아주에서 일반보기직관이 예술과 과학 모두에서 동등하게 중요한 것으로 인식될 때, 이것은 하나 또는 다른 유형의 논리적 증명과 관련된 합리적인 형태의 지식에 대한 의존을 필요로 하지 않는 진리에 대한 특별한 인식에 불과합니다.

창의성에서 가장 중요한 예술적 직관. 이것은 특히 초기 단계에서 분명합니다. 창작 과정, 소위. " 문제 상황". 창의성의 결과는 독창적이어야 한다는 사실이 창조적 인 성격이전에 만난 적이 없는 해결책을 찾기 위해 이미 창의성의 초기 단계에 있습니다. 그것은 확립된 개념, 사고 패턴, 사람, 공간 및 시간에 대한 아이디어의 급진적 수정을 포함합니다. 새로운 것에 대한 지식과 마찬가지로 직관적인 지식은 일반적으로 미래 작업의 윤곽이 추측될 뿐인 예상치 못한 추측, 상징적 도식의 형태로 존재합니다. 그러나 많은 예술가들에 따르면 이러한 통찰력은 전체 창작 과정의 기초입니다.

심미적이고 특히 예술적 지각또한 예술적 직관의 요소를 포함합니다. 창작 뿐만 아니라 예술적 이미지예술의 창조자이지만 독자, 시청자, 청취자의 예술적 이미지에 대한 인식은 피상적인 관찰에는 숨겨져 있는 예술적 가치에 대한 인식에 대한 특정 분위기와 관련이 있습니다. 따라서 예술적 직관은 지각자가 예술적 의미의 영역을 관통하는 수단이 됩니다. 또한 예술적 직관은 지각하는 예술 작품과 그 창작자의 공동 창작 행위를 제공한다.

지금까지 직관적인 메커니즘의 작동에 있어 많은 부분이 미스터리로 여겨져 연구에 큰 어려움을 야기하고 있습니다. 때로는 이것을 기반으로 예술적 직관이 신비주의 분야에 기인하고 미학에서 비합리주의의 형태 중 하나로 식별됩니다. 그러나 많은 뛰어난 예술가들의 경험은 예술적 직관 덕분에 현실을 깊고 진실하게 반영하는 작품을 만들 수 있음을 보여줍니다. 작가가 자신의 작업에서 사실주의의 원칙에서 벗어나지 않는다면 그가 적극적으로 사용하는 예술적 직관은 특별한 것으로 간주 될 수 있습니다. 효과적인 치료법진리와 객관성의 기준에 어긋나지 않는 지식.

음모(lat. intricare에서 - 혼란스럽게) - 플롯과 플롯을 구축하는 데 사용되는 예술적 기법 다양한 장르 소설, 영화, 연극 예술(복잡하고 예상치 못한 행동의 전환, 묘사된 등장인물의 이해 상충 및 얽힘). 극적인 작품에 묘사된 행동의 전개에 음모를 도입하는 것의 중요성에 대한 아이디어는 Aristotle이 처음으로 표현했습니다. “비극이 영혼을 사로잡는 가장 중요한 것은 줄거리의 본질입니다. .

음모는 펼쳐지는 액션에 긴장되고 흥미진진한 캐릭터를 부여합니다. 그것의 도움으로 사람들 사이의 복잡하고 상충되는 (참조) 관계의 이전 및 사회 생활. 음모의 기술은 일반적으로 모험 장르의 작품에서 널리 사용됩니다. 그러나 이것은 푸쉬킨, 레르몬토프, 도스토예프스키, L. 톨스토이 등의 위대한 사실주의 작가들의 창조적 유산에서 분명히 드러나는 다른 장르의 고전 작가들도 사용합니다.종종 음모는 외부 오락의 수단일 뿐입니다. 이것은 나쁜 속물적 취향을 위해 고안된 순수 상업 예술인 부르주아의 특징입니다. 부르주아 예술의 반대 경향은 음모가 예술적 장치로 사라질 때 음모가없는 욕망입니다.

대조법(그리스 반대 - 반대) - 대조의 문체 그림, 예술적 및 비예술적 조직화 방법 예술적 연설, 반대 의미(반의어)를 가진 단어의 사용을 기반으로 합니다.
수사학적 인물 체계에서 대립의 상징으로서의 대립은 고대부터 알려져 왔습니다. 따라서 아리스토텔레스에게 정립은 특별한 "반대" 기간을 생성하는 수단인 특정한 "제시 방법" 사상입니다.

예술적 연설에서 대립은 특별한 속성을 가지고 있습니다. 예술 시스템의 요소가되고 예술적 이미지를 만드는 수단으로 사용됩니다. 따라서 정립은 예술 작품의 말뿐만 아니라 이미지의 반대라고도 불립니다.

대립의 상징으로서, 대조는 절대 반의어와 문맥 반의어로 표현될 수 있다.

그리고 밝은 집은 불안하다
나는 어둠과 혼자였다
불가능은 가능했다
그러나 가능한 것은 꿈이었습니다.
(A.블록)

우화(그리스어 알레고리아-알레고리)는 알레고리적 예술적 장치의 하나로 추상적인 생각이나 현실의 현상이 특정한 이미지의 형태로 작품에 나타난다는 의미이다.

본질적으로 우화는 두 부분으로 나뉩니다.

한편으로 그것은 개념이나 현상(교활함, 지혜, 선함, 자연, 여름 등)이며, 다른 한편으로는 추상적인 생각을 예시하여 그것을 시각적으로 만드는 특정한 대상, 삶의 그림이다. . 그러나 이 삶의 그림은 그 자체로 보조적인 역할을 할 뿐입니다. 그것은 아이디어를 설명하고 장식하므로 "어떤 특정한 개성"(헤겔)도 결여되어 있습니다. "그림 삽화"(AF Losev).

그러나 우화의 두 계획 사이의 연결은 임의적이지 않으며 공통성이 존재하고 특정 단일 객체에서만 나타납니다. 속성은 그 기능이 우화를 만드는 수단으로 사용됩니다. V. Mukhina의 "비옥함" 우화 또는 세계의 우화인 Picasso의 "비둘기"를 예로 들 수 있습니다.

때때로 아이디어는 우화의 우화적 평면으로 존재할 뿐만 아니라 직접적으로 표현됩니다(예: 우화 "도덕성"의 형태로). 이 형식에서 우화는 특히 도덕적이고 교훈적인 목표를 추구하는 예술 작품의 특징입니다.

문학적 기법은 고전이나 작가뿐만 아니라 마케터, 시인, 심지어 보통 사람들이야기를 더 생생하게 재현합니다. 그것들이 없으면 산문, 시 또는 평범한 문장에 생동감을 더할 수 없으며, 장식하고 화자가 우리에게 전달하고자 하는 것을 최대한 정확하게 느낄 수 있습니다.

크기나 크기에 관계없이 모든 작업 예술적 방향, 언어의 특징뿐만 아니라 시적 소리에도 직접적으로 기반을 두고 있습니다. 이것은 특정 정보가 운율로 전달되어야 한다는 것을 전혀 의미하지 않습니다. 시처럼 부드럽고 아름답게 흘러야 합니다.

물론 문학적인 것은 사람들이 일상에서 사용하는 것과는 사뭇 다릅니다. 평범한 사람, 일반적으로 단어를 선택하지 않고, 그는 그러한 비교, 은유 또는 예를 들어 더 빠른 것을 설명하는 데 도움이 되는 소명을 제공할 것입니다. 작가들은 그것을 더 아름답게, 때로는 너무 가식적으로 하기도 하지만, 작품 전체나 작품의 개별적 특성이 특별히 요구할 때만 그렇습니다.

합산

따라서 문학적 장치는 매우 다양하여 저자는 사용 범위가 넓습니다. 이러한 요소에 대한 과도한 열정은 아름다운 작품을 만들 수 없다는 점에 유의해야 합니다. 읽기를 부드럽고 부드럽게 만들기 위해서는 신중하게 사용해야 합니다.

문학적 장치가 가지고 있는 또 하나의 기능에 대해 말해야 합니다. 그들 덕분에 캐릭터를 되살리고 필요한 분위기를 조성하는 것이 종종 가능하다는 사실에 있습니다. 이는 시각 효과 없이는 매우 어렵습니다. 그러나이 경우 음모가 커지지 만 결말이 다가오지 않으면 독자가 자신을 진정시키기 위해 눈으로 앞을 내다보기 시작하기 때문에 열심해서는 안됩니다. 문학적 기법을 능숙하게 사용하는 방법을 배우려면 이미 그 방법을 알고 있는 작가의 작품에 익숙해져야 합니다.