messaggio jazz. Storia dello sviluppo del jazz

Anima, altalena?

Probabilmente tutti sanno come suona una composizione in questo stile. Questo genere è nato all'inizio del XX secolo negli Stati Uniti d'America ed è una certa combinazione di cultura africana ed europea. La musica straordinaria ha attirato quasi immediatamente l'attenzione, ha trovato i suoi fan e si è diffusa rapidamente in tutto il mondo.

È abbastanza difficile trasmettere un cocktail musicale jazz, poiché combina:

• musica brillante e dal vivo;
• il ritmo unico dei tamburi africani;
• inni religiosi di battisti o protestanti.

Cos'è il jazz nella musica? È molto difficile dare una definizione a questo concetto, poiché a prima vista vi risuonano motivi incompatibili che, interagendo tra loro, danno al mondo una musica unica.

Peculiarità

Quali sono le caratteristiche del jazz? Cos'è il ritmo jazz? E quali sono le caratteristiche di questa musica? Le caratteristiche distintive dello stile sono:

• certo poliritmo;
• ondulazione costante di bit;
• insieme di ritmi;
• improvvisazione.

La gamma musicale di questo stile è colorata, luminosa e armoniosa. Mostra chiaramente diversi timbri separati che si fondono insieme. Lo stile si basa su una combinazione unica di improvvisazione con una melodia pre-pensata. L'improvvisazione può essere eseguita da un solista o da più musicisti in un ensemble. La cosa principale è che il suono generale è chiaro e ritmico.

Storia del jazz

Questa direzione musicale si è sviluppata e formata nel corso di un secolo. Il jazz è nato dalle profondità della cultura africana, quando gli schiavi neri, che sono stati portati dall'Africa in America per capirsi, hanno imparato a esserlo. E, di conseguenza, hanno creato un'unica arte musicale.

L'esecuzione di melodie africane è caratterizzata da movimenti di danza e dall'uso di ritmi complessi. Tutti loro, insieme alle solite melodie blues, hanno costituito la base per la creazione di un'arte musicale completamente nuova.

L'intero processo di combinazione della cultura africana ed europea nell'arte jazz iniziò alla fine del XVIII secolo, continuò per tutto il XIX secolo e solo alla fine del XX secolo portò all'emergere di una direzione completamente nuova nella musica.

Quando è apparso il jazz? Cos'è il jazz della costa occidentale? La domanda è piuttosto ambigua. Questa direzione è apparsa nel sud degli Stati Uniti d'America, a New Orleans, verso la fine del diciannovesimo secolo.

La fase iniziale dell'emergere della musica jazz è caratterizzata da una sorta di improvvisazione e lavoro sulla stessa composizione musicale. È stato suonato dal solista principale su trombettisti, tromboni e clarinettisti in combinazione con strumenti musicali a percussione sullo sfondo di musica in marcia.

Stili di base

La storia del jazz è iniziata molto tempo fa e, come risultato dello sviluppo di questa direzione musicale, sono apparsi molti stili diversi. Ad esempio:

• jazz arcaico;
• blues;
• anima;
• soul jazz;
• escrementi;
• Stile jazz di New Orleans;
• suono;
• oscillazione.

La culla del jazz ha lasciato una grande impronta sullo stile di questa direzione musicale. Il primo vero tipo e tradizionale creato da un piccolo ensemble era il jazz arcaico. La musica viene creata sotto forma di improvvisazione sui temi del blues, nonché su canzoni e balli europei.

Il blues può essere considerato una direzione abbastanza caratteristica, la cui melodia si basa su un ritmo chiaro. Questa varietà del genere è caratterizzata da un atteggiamento compassionevole e dalla glorificazione dell'amore perduto. Allo stesso tempo, nei testi è possibile rintracciare un leggero umorismo. La musica jazz implica una specie di pezzo di danza strumentale.

La musica tradizionale negra è la direzione del soul, direttamente collegata alle tradizioni blues. Suona abbastanza interessante il jazz di New Orleans, che si distingue per un ritmo a due tempi molto accurato, nonché per la presenza di diverse melodie separate. Questa direzione è caratterizzata dal fatto che il tema principale viene ripetuto più volte in varie variazioni.

In Russia

Il jazz era molto popolare nel nostro paese negli anni '30. Cos'è il blues e il soul, i musicisti sovietici hanno imparato negli anni Trenta. L'atteggiamento delle autorità verso questa direzione è stato molto negativo. Inizialmente, gli artisti jazz non erano banditi. Tuttavia, c'è stata una critica piuttosto dura a questa direzione musicale come componente dell'intera cultura occidentale.

Alla fine degli anni '40, i gruppi jazz furono perseguitati. Nel tempo, la repressione contro i musicisti è cessata, ma le critiche sono continuate.

Fatti jazz interessanti e affascinanti

La culla del jazz è l'America, dove sono stati combinati vari stili musicali. Per la prima volta, questa musica è apparsa tra i rappresentanti oppressi e privati ​​dei diritti civili del popolo africano, che sono stati portati via con la forza dalla loro patria. Durante le rare ore di riposo, gli schiavi intonavano canti tradizionali, accompagnandosi a battere le mani, non avendo strumenti musicali.

All'inizio era la vera musica africana. Tuttavia, nel tempo, è cambiato e in esso sono apparsi i motivi degli inni cristiani religiosi. Alla fine del XIX secolo apparvero altre canzoni in cui c'era una protesta e lamentele sulle loro vite. Tali canzoni iniziarono a essere chiamate blues.

La caratteristica principale del jazz è il ritmo libero, così come la completa libertà nello stile melodico. I musicisti jazz dovevano essere in grado di improvvisare individualmente o collettivamente.

Fin dalla sua nascita nella città di New Orleans, il jazz ha attraversato un percorso piuttosto difficile. Si è diffuso prima in America e poi in tutto il mondo.

I migliori artisti jazz

Il jazz è un tipo speciale di musica pieno di ingegno e passione insoliti. Non conosce confini e limiti. Famosi artisti jazz sono in grado di dare letteralmente vita alla musica e riempirla di energia.

L'artista jazz più famoso è Louis Armstrong, che è venerato per il suo stile vivace, virtuosismo e ingegno. L'influenza di Armstrong sulla musica jazz è inestimabile in quanto è uno dei più grandi musicisti di tutti i tempi.

Duke Ellington ha dato un grande contributo a questa direzione, poiché ha utilizzato il suo gruppo musicale come laboratorio musicale per esperimenti. In tutti gli anni della sua attività creativa ha scritto molte composizioni originali e uniche.

Nei primi anni '80, Wynton Marsalis divenne una vera scoperta, poiché preferiva suonare jazz acustico, che fece scalpore e provocò un nuovo interesse per questa musica.

Jazz - una forma di arte musicale nata tra la fine dell'800 e l'inizio del 1900 negli USA, a New Orleans, come risultato della sintesi delle culture africana ed europea e successivamente diffusa. Le origini del jazz furono il blues e altra musica popolare afroamericana. Le caratteristiche del linguaggio musicale del jazz inizialmente divennero l'improvvisazione, il poliritmo basato su ritmi sincopati e un insieme unico di tecniche per eseguire la trama ritmica: lo swing. Un ulteriore sviluppo del jazz si è verificato a causa dello sviluppo di nuovi modelli ritmici e armonici da parte di musicisti e compositori jazz. I jazz sub-jaz sono: jazz d'avanguardia, bebop, jazz classico, cool, modal jazz, swing, smooth jazz, soul jazz, free jazz, fusion, hard bop e molti altri.

Storia dello sviluppo del jazz

Wilex College Jazz Band, Texas

Il jazz è nato come una combinazione di diverse culture musicali e tradizioni nazionali. Originariamente proveniva dall'Africa. Qualsiasi musica africana è caratterizzata da un ritmo molto complesso, la musica è sempre accompagnata da danze, che sono veloci battimani e battimani. Su questa base, alla fine del XIX secolo, emerse un altro genere musicale: il ragtime. Successivamente, i ritmi del ragtime, uniti ad elementi del blues, diedero vita a una nuova direzione musicale: il jazz.

Il blues nasce alla fine del 19° secolo come fusione di ritmi africani e armonia europea, ma le sue origini vanno cercate dal momento in cui gli schiavi furono portati dall'Africa nel Nuovo Mondo. Gli schiavi portati non provenivano dallo stesso clan e di solito non si capivano nemmeno. La necessità di consolidamento ha portato all'unificazione di molte culture e, di conseguenza, alla creazione di un'unica cultura (compresa la musica) degli afroamericani. I processi di commistione tra cultura musicale africana ed europea (che subirono gravi mutamenti anche nel Nuovo Mondo) ebbero luogo a partire dal 18° secolo e nel 19° secolo portarono alla nascita del "proto-jazz", e poi del jazz in ambito generalmente accettato senso. La culla del jazz è stato il sud americano, e soprattutto New Orleans.
Pegno di eterna giovinezza del jazz - improvvisazione
La particolarità dello stile è l'esibizione individuale unica del virtuoso del jazz. La chiave dell'eterna giovinezza del jazz è l'improvvisazione. Dopo l'apparizione di un brillante interprete che ha vissuto tutta la sua vita al ritmo del jazz e rimane ancora una leggenda - Louis Armstrong, l'arte della performance jazz ha visto nuovi orizzonti insoliti per se stessa: l'esibizione vocale o strumentale solista diventa il centro dell'intera performance , cambiando completamente l'idea di jazz. Il jazz non è solo un certo tipo di performance musicale, ma anche un'era allegra unica.

jazz di new orleans

Il termine New Orleans è comunemente usato per descrivere lo stile dei musicisti che hanno suonato jazz a New Orleans tra il 1900 e il 1917, così come i musicisti di New Orleans che hanno suonato a Chicago e registrato dischi dal 1917 circa fino agli anni '20. Questo periodo della storia del jazz è anche conosciuto come l'era del jazz. E il termine è anche usato per descrivere la musica suonata in diversi periodi storici dai revivalisti di New Orleans che cercavano di suonare jazz nello stesso stile dei musicisti della scuola di New Orleans.

Il folklore afroamericano e il jazz si sono separati dall'apertura di Storyville, il quartiere a luci rosse di New Orleans famoso per i suoi luoghi di intrattenimento. Chi voleva divertirsi e divertirsi qui aspettava molte opportunità seducenti che offrivano piste da ballo, cabaret, spettacoli di varietà, circo, bar e ristoranti. E ovunque in queste istituzioni la musica risuonava e i musicisti che padroneggiavano la nuova musica sincopata potevano trovare lavoro. A poco a poco, con la crescita del numero di musicisti che lavorano professionalmente negli stabilimenti di intrattenimento di Storyville, il numero di bande musicali e di ottoni di strada è diminuito e, al loro posto, sono sorti i cosiddetti ensemble di Storyville, la cui manifestazione musicale diventa più individuale , rispetto al suono delle bande di ottoni. Queste composizioni, spesso chiamate "orchestre combinate" e diventarono i fondatori dello stile del jazz classico di New Orleans. Tra il 1910 e il 1917, le discoteche di Storyville divennero l'ambiente ideale per il jazz.
Tra il 1910 e il 1917, le discoteche di Storyville divennero l'ambiente ideale per il jazz.
Lo sviluppo del jazz negli Stati Uniti nel primo quarto del XX secolo

Dopo la chiusura di Storyville, il jazz iniziò a trasformarsi da genere folk regionale in una direzione musicale nazionale, diffondendosi nelle province settentrionali e nord-orientali degli Stati Uniti. Ma ovviamente, solo la chiusura di un quartiere dell'intrattenimento non potrebbe contribuire alla sua ampia distribuzione. Insieme a New Orleans, St. Louis, Kansas City e Memphis hanno svolto un ruolo importante nello sviluppo del jazz sin dall'inizio. Ragtime nasce a Memphis nel XIX secolo, da dove si è poi diffuso in tutto il continente nordamericano nel periodo 1890-1903.

D'altra parte, le esibizioni di menestrelli, con il loro variopinto mosaico di folklore afroamericano dal jig al ragtime, si sono diffuse rapidamente e hanno posto le basi per l'avvento del jazz. Molte future celebrità del jazz hanno iniziato il loro viaggio nello spettacolo dei menestrelli. Molto prima della chiusura di Storyville, i musicisti di New Orleans erano in tournée con le cosiddette compagnie di "vaudeville". Jelly Roll Morton del 1904 fece regolarmente tournée in Alabama, Florida, Texas. Dal 1914 aveva un contratto per esibirsi a Chicago. Nel 1915 si trasferì a Chicago e alla White Dixieland Orchestra di Tom Brown. I principali tour di vaudeville a Chicago sono stati effettuati anche dalla famosa Creole Band, guidata dal cornettista di New Orleans Freddie Keppard. Dopo essersi separati dall'Olympia Band in una sola volta, gli artisti di Freddie Keppard già nel 1914 si esibirono con successo nel miglior teatro di Chicago e ricevettero un'offerta per effettuare una registrazione sonora delle loro esibizioni anche prima della Original Dixieland Jazz Band, che, tuttavia, Freddie Keppard miope respinto. Ampliò notevolmente il territorio coperto dall'influenza del jazz, le orchestre suonavano sui piroscafi da diporto che risalivano il Mississippi.

Dalla fine del XIX secolo, i viaggi fluviali da New Orleans a St. Paul sono diventati popolari, prima per il fine settimana e poi per l'intera settimana. Dal 1900, le orchestre di New Orleans si esibiscono su questi battelli fluviali, la cui musica è diventata l'intrattenimento più attraente per i passeggeri durante i tour fluviali. In una di queste orchestre iniziò Suger Johnny, la futura moglie di Louis Armstrong, la prima pianista jazz Lil Hardin. La band fluviale di un altro pianista, Faiths Marable, comprendeva molte future star del jazz di New Orleans.

I battelli a vapore che percorrevano il fiume si fermavano spesso nelle stazioni di passaggio, dove le orchestre organizzavano concerti per il pubblico locale. Sono stati questi concerti che sono diventati debutti creativi per Bix Beiderbeck, Jess Stacy e molti altri. Un altro famoso percorso correva lungo il Missouri fino a Kansas City. In questa città, dove, grazie alle forti radici del folklore afroamericano, il blues si è sviluppato e finalmente ha preso forma, il virtuosismo dei jazzisti di New Orleans ha trovato un ambiente eccezionalmente fertile. All'inizio degli anni '20, Chicago divenne il principale centro per lo sviluppo della musica jazz, in cui, grazie agli sforzi di molti musicisti che si riunirono da diverse parti degli Stati Uniti, fu creato uno stile che fu soprannominato Chicago jazz.

Grandi bande

La forma classica e consolidata delle big band è nota nel jazz dall'inizio degli anni '20. Questa forma ha mantenuto la sua rilevanza fino alla fine degli anni '40. I musicisti che entravano nella maggior parte delle big band, di regola, quasi nell'adolescenza, suonavano parti abbastanza definite, imparate durante le prove o dalle note. Un'attenta orchestrazione, insieme a massicce sezioni di ottoni e fiati, producevano ricche armonie jazz e producevano il suono sensazionalmente forte che divenne noto come "il suono della big band".

La big band divenne la musica popolare del suo tempo, raggiungendo il suo apice a metà degli anni '30. Questa musica è diventata la fonte della mania della danza swing. I leader delle famose band jazz Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnet hanno composto o arrangiato e registrato su dischi una vera e propria hit parade di brani che suonavano non solo alla radio ma anche ovunque nelle sale da ballo. Molte big band hanno mostrato i loro improvvisatori solisti, che hanno portato il pubblico in uno stato vicino all'isteria durante le ben pubblicizzate "battaglie delle orchestre".
Molte big band hanno mostrato i loro improvvisatori solisti, che hanno portato il pubblico in uno stato vicino all'isteria.
Sebbene la popolarità delle big band fosse diminuita dopo la seconda guerra mondiale, le orchestre guidate da Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James e molti altri andarono in tournée e registrarono frequentemente nei decenni successivi. La loro musica è stata gradualmente trasformata sotto l'influenza delle nuove tendenze. Gruppi come ensemble guidati da Boyd Ryburn, Sun Ra, Oliver Nelson, Charles Mingus, Thad Jones-Mal Lewis hanno esplorato nuovi concetti in armonia, strumentazione e libertà di improvvisazione. Oggi, le big band sono lo standard nell'educazione jazz. Orchestre di repertorio come la Lincoln Center Jazz Orchestra, la Carnegie Hall Jazz Orchestra, la Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra e il Chicago Jazz Ensemble suonano regolarmente arrangiamenti originali di composizioni di big band.

jazz del nord-est

Sebbene la storia del jazz sia iniziata a New Orleans con l'avvento del 20° secolo, questa musica ha conosciuto una vera ascesa all'inizio degli anni '20, quando il trombettista Louis Armstrong lasciò New Orleans per creare nuova musica rivoluzionaria a Chicago. La migrazione dei maestri jazz di New Orleans a New York, iniziata di lì a poco, ha segnato una tendenza di continuo movimento dei musicisti jazz dal sud al nord.

Louis Armstrong

Chicago ha abbracciato la musica di New Orleans e l'ha resa popolare, accendendola non solo con i famosi ensemble Hot Five e Hot Seven di Armstrong, ma anche con altri, inclusi artisti del calibro di Eddie Condon e Jimmy McPartland, la cui squadra della Austin High School ha contribuito a far rivivere la New Orleans scuole. Altri importanti abitanti di Chicago che hanno spinto i confini del jazz classico di New Orleans includono il pianista Art Hodes, il batterista Barrett Deems e il clarinettista Benny Goodman. Armstrong e Goodman, che alla fine si sono trasferiti a New York, hanno creato lì una specie di massa critica che ha aiutato questa città a trasformarsi in una vera capitale mondiale del jazz. E mentre Chicago è rimasta principalmente il centro della registrazione del suono nel primo quarto del 20° secolo, New York è anche emersa come il principale locale jazz, ospitando club leggendari come il Minton Playhouse, il Cotton Club, il Savoy e il Village Vanguard e così come arene come la Carnegie Hall.

Stile Kansas City

Durante l'era della Grande Depressione e del Proibizionismo, la scena jazz di Kansas City divenne una mecca per i suoni nuovi della fine degli anni '20 e '30. Lo stile che fiorì a Kansas City è caratterizzato da brani soul con una sfumatura blues, eseguiti sia da big band che da piccoli ensemble swing, dimostrando assoli molto energici, eseguiti per i clienti delle taverne con liquori venduti illegalmente. Fu in questi pub che si cristallizzò lo stile del grande Count Basie, a cominciare da Kansas City con l'orchestra di Walter Page e poi con Benny Moten. Entrambe queste orchestre erano rappresentanti tipici dello stile di Kansas City, che era basato su una peculiare forma di blues, chiamata "blues urbano" e formata nell'esecuzione delle suddette orchestre. La scena jazz di Kansas City si distingueva anche per un'intera galassia di eccezionali maestri del blues vocale, il "re" riconosciuto tra i quali era il solista di lunga data della Count Basie Orchestra, il famoso cantante blues Jimmy Rushing. Il famoso sassofonista contralto Charlie Parker, nato a Kansas City, al suo arrivo a New York, utilizzò ampiamente i caratteristici "chip" blues che aveva appreso nelle orchestre di Kansas City e costituì in seguito uno dei punti di partenza negli esperimenti dei bopper negli anni '40.

Jazz della costa occidentale

Gli artisti catturati dal movimento cool jazz negli anni '50 hanno lavorato a lungo negli studi di registrazione di Los Angeles. In gran parte influenzati da Miles Davis, questi artisti con sede a Los Angeles hanno sviluppato quello che ora è noto come West Coast Jazz. Il jazz della West Coast era molto più morbido del bebop furioso che lo aveva preceduto. La maggior parte del jazz della West Coast è stata scritta in modo molto dettagliato. Le linee contrappuntistiche spesso utilizzate in queste composizioni sembravano far parte dell'influenza europea che era penetrata nel jazz. Tuttavia, questa musica ha lasciato molto spazio a lunghe improvvisazioni lineari da solista. Sebbene il West Coast Jazz fosse eseguito principalmente negli studi di registrazione, club come il Lighthouse di Hermosa Beach e l'Haig di Los Angeles presentavano spesso i suoi maestri, tra cui il trombettista Shorty Rogers, i sassofonisti Art Pepper e Bud Shenk, il batterista Shelley Mann e il clarinettista Jimmy Giuffrey .

La diffusione del jazz

Il jazz ha sempre suscitato interesse tra musicisti e ascoltatori di tutto il mondo, indipendentemente dalla loro nazionalità. Basta tracciare i primi lavori del trombettista Dizzy Gillespie e la sua fusione delle tradizioni jazz con la musica dei cubani neri negli anni '40 o successivi, la combinazione del jazz con la musica giapponese, eurasiatica e mediorientale, famosa nell'opera del pianista Dave Brubeck, così come nel brillante compositore e leader del jazz - la Duke Ellington Orchestra, che combinava l'eredità musicale dell'Africa, dell'America Latina e dell'Estremo Oriente.

Dave Brubeck

Il jazz ha costantemente assorbito e non solo le tradizioni musicali occidentali. Ad esempio, quando diversi artisti hanno iniziato a provare a lavorare con gli elementi musicali dell'India. Un esempio di questo sforzo può essere ascoltato nelle registrazioni del flautista Paul Horn al Taj Mahal, o nel flusso di "world music" rappresentato, ad esempio, dalla band dell'Oregon o dal progetto Shakti di John McLaughlin. La musica di McLaughlin, precedentemente in gran parte basata sul jazz, iniziò a utilizzare nuovi strumenti di origine indiana, come il khatam o tabla, durante il suo lavoro con Shakti, suonavano ritmi intricati e la forma del raga indiano era ampiamente utilizzata.
Mentre la globalizzazione del mondo continua, il jazz è costantemente influenzato da altre tradizioni musicali.
L'Art Ensemble di Chicago è stato uno dei primi pionieri nella fusione di forme africane e jazz. Il mondo in seguito conobbe il sassofonista/compositore John Zorn e la sua esplorazione della cultura musicale ebraica, sia all'interno che all'esterno dell'orchestra Masada. Questi lavori hanno ispirato interi gruppi di altri musicisti jazz, come il tastierista John Medeski, che ha registrato con il musicista africano Salif Keita, il chitarrista Marc Ribot e il bassista Anthony Coleman. Il trombettista Dave Douglas trae ispirazione dai Balcani nella sua musica, mentre l'Asian-American Jazz Orchestra è emersa come uno dei principali sostenitori della convergenza del jazz e delle forme musicali asiatiche. Mentre la globalizzazione del mondo continua, il jazz è costantemente influenzato da altre tradizioni musicali, fornendo cibo maturo per la ricerca futura e dimostrando che il jazz è veramente world music.

Jazz in URSS e Russia

Il primo nella jazz band RSFSR di Valentin Parnakh

La scena jazz ha avuto origine in URSS negli anni '20, contemporaneamente al suo periodo di massimo splendore negli Stati Uniti. La prima orchestra jazz nella Russia sovietica fu creata a Mosca nel 1922 dal poeta, traduttore, ballerino, figura teatrale Valentin Parnakh e fu chiamata "La prima orchestra di banda jazz eccentrica di Valentin Parnakh nella RSFSR". Il compleanno del jazz russo è tradizionalmente considerato il 1 ottobre 1922, quando ebbe luogo il primo concerto di questo gruppo. L'orchestra del pianista e compositore Alexander Tsfasman (Mosca) è considerata il primo ensemble jazz professionale ad esibirsi in onda e registrare un disco.

I primi gruppi jazz sovietici specializzati nell'esecuzione di danze alla moda (foxtrot, Charleston). Nella coscienza di massa, il jazz iniziò a guadagnare ampia popolarità negli anni '30, in gran parte grazie all'ensemble di Leningrado guidato dall'attore e cantante Leonid Utesov e dal trombettista Ya.B. Skomorovsky. La popolare commedia cinematografica con la sua partecipazione "Merry Fellows" (1934) era dedicata alla storia di un musicista jazz e aveva una colonna sonora corrispondente (scritta da Isaac Dunayevsky). Utyosov e Skomorovsky hanno formato lo stile originale del "tea-jazz" (jazz teatrale), basato su una miscela di musica con teatro, operetta, numeri vocali e un elemento di performance ha avuto un ruolo importante in esso. Un notevole contributo allo sviluppo del jazz sovietico è stato dato da Eddie Rosner, compositore, musicista e leader d'orchestra. Dopo aver iniziato la sua carriera in Germania, Polonia e altri paesi europei, Rozner si è trasferito in URSS ed è diventato uno dei pionieri dello swing in URSS e l'iniziatore del jazz bielorusso.
Nella coscienza di massa, il jazz iniziò a guadagnare ampia popolarità in URSS negli anni '30.
L'atteggiamento delle autorità sovietiche nei confronti del jazz era ambiguo: gli artisti jazz domestici, di regola, non erano banditi, ma era diffusa la critica aspra del jazz in quanto tale, nel contesto della critica alla cultura occidentale in generale. Alla fine degli anni '40, durante la lotta contro il cosmopolitismo, il jazz in URSS visse un periodo particolarmente difficile, in cui i gruppi di musica "occidentale" furono perseguitati. Con l'inizio del "disgelo", le repressioni contro i musicisti furono interrotte, ma le critiche continuarono. Secondo la ricerca della professoressa di storia e cultura americana Penny Van Eschen, il Dipartimento di Stato americano ha cercato di usare il jazz come arma ideologica contro l'URSS e contro l'espansione dell'influenza sovietica nei paesi del terzo mondo. Negli anni '50 e '60. a Mosca, le orchestre di Eddie Rozner e Oleg Lundstrem hanno ripreso le loro attività, sono apparse nuove composizioni, tra cui spiccano le orchestre di Iosif Weinstein (Leningrado) e Vadim Ludvikovsky (Mosca), nonché la Riga Variety Orchestra (REO).

Le big band hanno allevato un'intera galassia di arrangiatori di talento e improvvisatori solisti, il cui lavoro ha portato il jazz sovietico a un livello qualitativamente nuovo e lo ha avvicinato agli standard mondiali. Tra questi ci sono Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexei Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolai Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin. Inizia lo sviluppo del jazz da camera e da club in tutta la sua diversità di stile (Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolai Gromin, Vladimir Danilin, Alexei Kozlov, Roman Kunsman, Nikolai Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexei Kuznetsov, Viktor Fridman , Andrey Tovmasyan , Igor Bril, Leonid Chizhik, ecc.)

Jazz Club "Blue Bird"

Molti dei suddetti maestri del jazz sovietico hanno iniziato la loro carriera creativa sul palco del leggendario jazz club di Mosca "Blue Bird", che esisteva dal 1964 al 2009, scoprendo nuovi nomi di rappresentanti della moderna generazione di star del jazz russo (fratelli Alexander e Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko e altri). Negli anni '70, il trio jazz "Ganelin-Tarasov-Chekasin" (GTC) composto dal pianista Vyacheslav Ganelin, dal batterista Vladimir Tarasov e dal sassofonista Vladimir Chekasin, che esisteva fino al 1986, ha guadagnato ampia popolarità. Negli anni '70 e '80 erano conosciuti anche il quartetto jazz dell'Azerbaigian "Gaya", gli ensemble vocali e strumentali georgiani "Orera" e "Jazz-Khoral".

Dopo il declino dell'interesse per il jazz negli anni '90, ha ricominciato a guadagnare popolarità nella cultura giovanile. Ogni anno a Mosca si tengono festival di musica jazz, come Usadba Jazz e Jazz in the Hermitage Garden. Il locale jazz club più famoso di Mosca è l'Union of Composers jazz club, che invita artisti jazz e blues di fama mondiale.

Jazz nel mondo moderno

Il mondo moderno della musica è tanto vario quanto il clima e la geografia che impariamo attraverso i viaggi. Eppure, oggi assistiamo a una mescolanza di un numero crescente di culture del mondo, che ci avvicina costantemente a quella che in sostanza sta già diventando “world music” (world music). Il jazz di oggi non può non essere influenzato da suoni che vi penetrano da quasi ogni angolo del globo. Lo sperimentalismo europeo con sfumature classiche continua a influenzare la musica di giovani pionieri come Ken Vandermark, un gelido sassofonista d'avanguardia noto per il suo lavoro con importanti contemporanei come i sassofonisti Mats Gustafsson, Evan Parker e Peter Brotzmann. Altri giovani musicisti più tradizionalisti che continuano a cercare la propria identità includono i pianisti Jackie Terrasson, Benny Green e Braid Meldoa, i sassofonisti Joshua Redman e David Sanchez e i batteristi Jeff Watts e Billy Stewart.

La vecchia tradizione del suono viene rapidamente portata avanti da artisti come il trombettista Wynton Marsalis, che lavora con un team di assistenti sia nelle sue piccole band che nella Lincoln Center Jazz Band, che dirige. Sotto il suo patrocinio, i pianisti Marcus Roberts ed Eric Reed, il sassofonista Wes "Warmdaddy" Anderson, il trombettista Markus Printup e il vibrafonista Stefan Harris sono diventati grandi musicisti. Il bassista Dave Holland è anche un grande scopritore di giovani talenti. Tra le sue numerose scoperte ci sono artisti come il sassofonista/bassista Steve Coleman, il sassofonista Steve Wilson, il vibrafonista Steve Nelson e il batterista Billy Kilson. Altri grandi mentori di giovani talenti includono il pianista Chick Corea e il compianto batterista Elvin Jones e la cantante Betty Carter. Il potenziale per un ulteriore sviluppo del jazz è attualmente piuttosto ampio, poiché le modalità di sviluppo del talento ei mezzi della sua espressione sono imprevedibili, moltiplicandosi per gli sforzi combinati di vari generi jazz incoraggiati oggi.

Il jazz è musica piena di passione e ingegno, musica che non conosce confini e limiti. Compilare un elenco del genere è incredibilmente difficile. Questo elenco è stato scritto, riscritto e poi riscritto di nuovo. Dieci è un numero troppo limitante per un genere musicale come il jazz. Tuttavia, indipendentemente dalla quantità, questa musica è in grado di respirare vita ed energia, risvegliarsi dal letargo. Cosa c'è di meglio di un jazz audace, instancabile e caldo!

1. Louis Armstrong

1901 - 1971

Il trombettista Louis Armstrong è venerato per il suo stile vivace, ingegnosità, virtuosismo, espressività musicale e spettacolo dinamico. Conosciuto per la sua voce roca e una carriera che dura da oltre cinque decenni. L'influenza di Armstrong sulla musica è inestimabile. In generale, Louis Armstrong è considerato il più grande musicista jazz di tutti i tempi.

Louis Armstrong con Velma Middleton & His All Stars - Saint Louis Blues

2. Duca Ellington

1899 - 1974

Duke Ellington è un pianista e compositore che è stato un leader di una band jazz per quasi 50 anni. Ellington ha usato la sua band come laboratorio musicale per i suoi esperimenti, in cui ha dimostrato il talento dei membri della band, molti dei quali sono rimasti con lui per molto tempo. Ellington è un musicista incredibilmente dotato e prolifico. In una carriera che dura da cinquant'anni, ha scritto migliaia di composizioni, tra cui colonne sonore di film e musical, oltre a molti standard famosi come "Cotton Tail" e "It Don't Mean a Thing".

Duke Ellington e John Coltrane

3. Miles Davis

1926 - 1991

Miles Davis è uno dei musicisti più influenti del 20° secolo. Insieme alle sue band, Davis è stato una figura centrale nella musica jazz dalla metà degli anni '40, tra cui be-bop, cool jazz, hard bop, modal jazz e jazz fusion. Davis ha instancabilmente spinto i confini dell'espressione artistica, cosa che gli è valsa la reputazione di uno degli artisti più innovativi e rispettati nella storia della musica.

Quintetto di Miles Davis

4. Charlie Parker

1920 - 1955

Il virtuoso del sassofonista Charlie Parker è stato un influente solista jazz e una figura di spicco nello sviluppo del be-bop, una forma di jazz caratterizzata da tempi veloci, tecnica virtuosistica e improvvisazione. Nelle sue complesse linee melodiche, Parker combina il jazz con altri generi musicali, inclusi blues, latino e musica classica. Parker era una figura iconica nella sottocultura Beat, ma ha trasceso la sua generazione per diventare l'epitome di un musicista intellettuale e intransigente.

Charlie Parker

5. Nat King Cole

1919 - 1965

Conosciuto per la sua voce setosa da baritono, Nat King Cole ha portato l'emotività del jazz nella musica popolare americana. Cole è stato uno dei primi afroamericani a condurre un programma televisivo a cui hanno partecipato artisti jazz come Ella Fitzgerald e Eartha Kitt. Pianista fenomenale e improvvisatore di spicco, Cole è stato uno dei primi artisti jazz a diventare un'icona pop.

Nat King Cole

6. John Coltrane

1926 - 1967

Nonostante una carriera relativamente breve (prima accompagnatore all'età di 29 anni nel 1955, intraprendendo formalmente una carriera da solista a 33 anni nel 1960 e morendo all'età di 40 anni nel 1967), il sassofonista John Coltrane è la figura più importante e controversa del jazz. Nonostante una breve carriera, data la sua fama, Coltrane ebbe l'opportunità di registrare in abbondanza e molte delle sue registrazioni furono pubblicate postume. Coltrane ha cambiato radicalmente il suo stile nel corso della sua carriera, eppure conserva un seguito sia del suo suono iniziale e tradizionale che del suo suono più sperimentale. E nessuno, quasi con un impegno religioso, dubita del suo significato nella storia della musica.

Giovanni Coltrane

7 Monaci Telonio

1917 - 1982

Thelonious Monk è un musicista con uno stile di improvvisazione unico, il secondo artista jazz più riconoscibile dopo Duke Ellington. Il suo stile era caratterizzato da linee energiche e percussive intervallate da silenzi aspri e drammatici. Durante le sue esibizioni, mentre il resto dei musicisti suonava, Thelonious si alzò dalla tastiera e ballò per diversi minuti. Dopo aver creato composizioni di jazz classico "Round Midnight", "Straight, No Chaser", Monk ha concluso i suoi giorni in una relativa oscurità, ma la sua influenza sul jazz moderno è ancora evidente fino ad oggi.

Monaco Thelonious - Mezzanotte rotonda

8. Oscar Peterson

1925 - 2007

Oscar Peterson è un musicista innovativo che ha eseguito di tutto, dall'ode classica di Bach a uno dei primi balletti jazz. Peterson ha aperto una delle prime scuole di jazz in Canada. Il suo "Inno alla Libertà" divenne l'inno del movimento per i diritti civili. Oscar Peterson è stato uno dei pianisti jazz più talentuosi e importanti della sua generazione.

Oscar Peterson - C Jam Blues

9. Billie Holiday

1915 - 1959

Billie Holiday è una delle figure più importanti del jazz, anche se non ha mai scritto musica propria. Holiday ha trasformato "Embraceable You", "I'll Be Seeing You" e "I Cover the Waterfront" in famosi standard jazz e la sua performance di "Strange Fruit" è considerata una delle migliori nella storia della musica americana. Sebbene la sua vita sia stata piena di tragedie, il genio dell'improvvisazione di Holiday, combinato con la sua voce fragile e un po' roca, ha dimostrato una profondità di emozioni senza precedenti, senza precedenti per altri cantanti jazz.

Billie vacanze

10. Gillespie vertiginoso

1917 - 1993

Il trombettista Dizzy Gillespie è un innovatore del bebop e un maestro dell'improvvisazione, nonché un pioniere dell'afro-cubano e del jazz latino. Gillespie ha collaborato con vari musicisti sudamericani e caraibici. Con profonda passione, ha curato la musica tradizionale dei paesi africani. Tutto ciò gli ha permesso di apportare innovazioni senza precedenti alle interpretazioni del jazz moderno. Durante la sua lunga carriera, Gillespie è stato in tournée senza sosta e ha affascinato il pubblico con il suo berretto, gli occhiali cerchiati di corno, le guance gonfie, la spensieratezza e la sua musica incredibile.

Dizzy Gillespie feat. Charlie Parker

11. Dave Brubeck

1920 – 2012

Dave Brubeck è un compositore e pianista, promotore jazz, attivista per i diritti civili e ricercatore musicale. Un interprete iconoclasta riconoscibile da un unico accordo, un compositore irrequieto che spinge i confini del genere e costruisce un ponte tra il passato e il futuro della musica. Brubeck ha collaborato con Louis Armstrong e molti altri famosi musicisti jazz, e ha anche influenzato il pianista d'avanguardia Cecil Taylor e il sassofonista Anthony Braxton.

Dave Brubeck

12. Benny Goodman

1909 – 1986

Benny Goodman è un musicista jazz meglio conosciuto come il "King of Swing". Divenne un divulgatore del jazz tra i giovani bianchi. Il suo aspetto segnò l'inizio di un'era. Goodman era una personalità controversa. Ha cercato incessantemente la perfezione e questo si è riflesso nel suo approccio alla musica. Goodman non era solo un musicista virtuoso: era un clarinettista creativo e un innovatore dell'era del jazz pre-bebop.

Benny Goodman

13. Carlo Mingus

1922 – 1979

Charles Mingus è un influente contrabbassista jazz, compositore e bandleader jazz. La musica di Mingus è un misto di hard bop caldo e pieno di sentimento, gospel, musica classica e free jazz. La sua musica ambiziosa e il suo temperamento formidabile hanno fatto guadagnare a Mingus il soprannome di "uomo arrabbiato del jazz". Se fosse solo un suonatore d'archi, poche persone oggi conoscerebbero il suo nome. Molto probabilmente è stato il più grande contrabbassista di sempre, uno che ha sempre tenuto le dita sul polso della feroce potenza espressiva del jazz.

Carlo Mingo

14. Herbie Hancock

1940 –

Herbie Hancock sarà sempre uno dei musicisti jazz più venerati e controversi, così come il suo datore di lavoro/mentore Miles Davis. A differenza di Davis, che è andato costantemente avanti e non ha mai guardato indietro, Hancock si muove a zigzag tra jazz quasi elettronico e acustico e persino r "n" b. Nonostante la sua sperimentazione elettronica, l'amore di Hancock per il pianoforte non è svanito e il suo stile pianistico continua ad evolversi in forme sempre più rigide e complesse.

Herbie Hancock

15. Wynton Marsalis

1961 –

Il musicista jazz più famoso dal 1980. All'inizio degli anni '80, Wynton Marsalis divenne una rivelazione quando un giovane musicista di grande talento decise di guadagnarsi da vivere suonando jazz acustico piuttosto che funk o R"n"B. Dagli anni '70 c'è stata un'enorme carenza di nuovi trombettisti nel jazz, ma l'inaspettata fama di Marsalis ha ispirato un nuovo interesse per la musica jazz.

Wynton Marsalis - Rustici (E. Bozza)

I primi eroi del jazz sono apparsi qui, a New Orleans. I pionieri dello stile jazz di New Orleans furono musicisti afroamericani e creoli. L'antenato di questa musica è il cornettista nero Buddy Bolden.

Carlo Buddy Bolden nato nel 1877 (secondo altre fonti nel 1868). È cresciuto tra la mania delle bande di ottoni, anche se ha lavorato prima come parrucchiere, poi come editore di tabloid. il grillo, e occasionalmente suonava la cornetta con molte band di New Orleans. I musicisti del primo periodo di sviluppo del jazz avevano una sorta di professioni "forti" e la musica era un reddito extra per loro. Dal 1895 Bolden si dedicò interamente alla musica e organizzò la sua prima orchestra. Alcuni ricercatori jazz sostengono che il 1895 possa essere considerato l'anno della nascita del jazz professionale.

Gli entusiasti del jazz spesso davano titoli alti ai loro preferiti: re, duca, conte. Buddy Bolden è stato il primo a ricevere il meritato titolo di "re", poiché fin dall'inizio si è distinto tra trombettisti e cornettisti con un suono incredibilmente forte, bello e una ricchezza di idee musicali. Banda Ragtime Buddy Bolden, che in seguito servì da prototipo per molti ensemble negri, era una composizione tipica del jazz di New Orleans e suonava in sale da ballo, saloon, sfilate di strada, picnic e parchi all'aperto. I musicisti hanno eseguito quadriglie e polke, ragtime e blues, e le note melodie stesse sono servite solo come punto di partenza per numerose improvvisazioni, supportate da un ritmo speciale. Questo ritmo è chiamato quattro grandi (quadrato) quando ogni secondo e quarto movimento della misura sono accentati. E Buddy Bolden ha inventato questo nuovo ritmo!

Nel 1906 Buddy Bolden era diventato il musicista più famoso di New Orleans. Re Bolden! Musicisti di diverse generazioni che hanno avuto la fortuna di ascoltare il jazzista (Bunk Johnson, Louis Armstrong) hanno notato il suono bello e forte della sua tromba. Il modo di suonare di Bolden è stato notevole per il suo straordinario dinamismo, potenza sonora, modo aggressivo di produzione del suono e vero sapore blues. Il musicista era una persona incredibilmente popolare. Era sempre circondato da giocatori d'azzardo, uomini d'affari, marinai, creoli, bianchi e neri, donne. La maggior parte degli ammiratori di Bolden si trovava nel quartiere dei divertimenti di Storyville, organizzato nel 1897 al confine tra le città superiori e inferiori, nel quartiere a luci rosse. Ci sono quartieri simili in tutte le città portuali del mondo, che si tratti di Amsterdam nei Paesi Bassi, Amburgo in Germania o Marsiglia in Francia, anche nell'antica Pompei (Italia) c'era un quartiere simile.

New Orleans era giustamente considerata un covo di dissolutezza. La maggior parte di New Orleans non erano puritani. Lungo tutta la “via dei piaceri” c'erano locali notturni, innumerevoli sale da ballo e caffè, taverne, taverne e ristoranti. Ognuno di questi luoghi aveva la sua musica: un piccolo gruppo di afroamericani, o anche un solo suonatore di pianoforte o piano meccanico. Il jazz, che suonava in questi luoghi con uno stato d'animo speciale, si occupava della realtà della vita. Questo è ciò che ha attratto il mondo intero alla musica jazz, poiché non nascondeva le gioie carnali terrene. Pieno di un'atmosfera gioiosa e sensuale, Storyville era il simbolo di una vita piena di rischi ed eccitazione, attirava tutti come una calamita. Le strade di questa zona erano piene di gente 24 ore su 24, per lo più uomini.

L'apogeo della carriera del cornettista Buddy Bolden e del suo La Ragtime Band di Buddy Bolden coincise con gli anni migliori di Storyville. Mercoledì, ovviamente, è stato volgare. E arriva il momento in cui devi pagare tutto! Una vita frenetica sta dando i suoi frutti. Bolden iniziò a bere alcolici, a litigare con i musicisti, a saltare le esibizioni. Beveva sempre molto, perché spesso nei posti "divertenti" i musicisti venivano pagati con alcol. Ma dopo il 1906, il musicista iniziò ad avere un disturbo mentale, apparvero mal di testa, parlò da solo. E aveva paura di tutto, anche della sua cornetta. Le persone intorno avevano paura che l'aggressivo Bolden potesse uccidere qualcuno, soprattutto perché c'erano tali tentativi. Nel 1907, il musicista fu ricoverato in un manicomio, dove trascorse ventiquattro anni nell'oscurità. Ha tagliato come lui, gli sfortunati abitanti di una casa triste, e non ha mai toccato la sua cornetta, da cui un tempo suonava un jazz indescrivibilmente bello. Buddy Bolden - l'ideatore della prima orchestra jazz del mondo - morì nel 1931, nell'oscurità più completa, dimenticato da tutti, e lui stesso non ricordava nulla, sebbene fosse stato lui a cercare di portare il jazz nella forma di una vera arte.

Creoli di colore vivevano a New Orleans, nelle cui vene scorreva sangue francese, spagnolo e africano. Nel loro ambiente piuttosto ricco e prospero, sebbene il ruolo dei creoli nell'allora rigido sistema di caste fosse alquanto incerto, i genitori furono in grado di dare ai loro figli un'istruzione decente e insegnarono musica. I creoli si consideravano gli eredi della cultura europea. Jelly Roll Morton, che sarà discusso ulteriormente, era originario di un tale ambiente. Secondo alcuni rapporti, Morton nacque nel 1885 e alcune fonti affermano che fosse nato nel 1890. Morton affermava di essere un discendente dei francesi, ma sua madre dalla pelle scura fu portata a New Orleans dall'isola di Haiti. Dall'età di dieci anni, Ferdinando

Joseph Lemott - questo era il vero nome di Morton - imparò a suonare il piano. La maggior parte dei creoli erano puritani, cioè persone con regole rigide. Non così Morton! Era attratto dalla vita notturna, era un "uomo notturno". Già all'età di diciassette anni, nel 1902, Jelly Roll apparve a Storyville e divenne presto un famoso musicista, suonando nei saloon e nei bordelli. Era un testimone, e poi un partecipante a tutto ciò che accadeva intorno. Il giovane capriccioso e sfrenato amava afferrare un coltello con o senza una ragione, era uno spaccone e un prepotente. Ma soprattutto, Morton era un musicista di talento, un interprete ragtime, il primo compositore nella storia del jazz, che, con l'aiuto dell'improvvisazione, ha fuso tutte le melodie che erano di moda in quel momento in una fusione musicale senza precedenti. Lo stesso Morton è stato il primo conoscitore della sua musica, sostenendo che tutto ciò che suonano gli altri musicisti è stato composto da lui. Questo, ovviamente, non era il caso. Ma una cosa era vera: Morton fu il primo a registrare sul pentagramma quelle melodie da lui composte e che poi divennero dei classici del jazz. Spesso queste melodie avevano un "sapore spagnolo", erano basate sui ritmi della "Habanera" - il tango spagnolo. Lo stesso Morton credeva che senza questo "condimento" il jazz si rivelasse insipido, ed era un uomo di emozioni. Il musicista chiese di essere chiamato Jelly Roll, che era un soprannome piuttosto frivolo, poiché questa frase gergale significava "pipa dolce" e aveva un significato erotico.

Morton divenne un artista versatile: suonava il piano, cantava, ballava. Tuttavia, l'ambito del lavoro locale nelle "case del divertimento" si rivelò stretto per lui, e presto il pianista lasciò New Orleans, soprattutto da quando la severa nonna di Jelly Roll, avendo appreso del vero lavoro di suo nipote, lo prese a calci fuori dalla casa. Nel 1904, il jazzista fece diversi tour negli Stati Uniti con musicisti: B. Johnson, T. Jackson e W. K. Handy. Morton divenne un vagabondo e tale rimase per tutta la vita. Il musicista è stato riconosciuto a Memphis, St. Louis, New York, Kansas City e Los Angeles. Per sfamarsi, poiché la musica non sempre portava il sostentamento, Morton doveva suonare nel vaudeville, fare il pennarello e giocare a biliardo, vendere un misto di composizione dubbia contro il consumo, organizzare incontri di boxe, essere proprietario di laboratori di sartoria, un musicista editore. Ma ovunque si sentiva un estraneo e doveva dimostrare di essere un musicista di prim'ordine. Dal 1917 al 1922, Morton condusse una vita relativamente agiata nella calda California. Lui e sua moglie hanno comprato l'hotel e la reputazione di Jelly Roll come musicista era al top. Ma il carattere irrefrenabile del jazzista si è fatto sentire. Nel 1923, il musicista si trasferì a Chicago, dove organizzò la sua band di dieci persone - peperoncini piccanti, che includeva artisti dello stile jazz classico in tempi diversi: Barney Bigard, Kid Ory, fratelli Dodd. Dal 1926 Morton e la sua band iniziarono a registrare su dischi. Le composizioni più famose - King Porter Stomp, Kansas City Stomp, Wolverine Blues. La musica del compositore Morton comprendeva elementi di ragtime, blues, canzoni popolari (folklore creolo), musica per bande di ottoni, musica irlandese e francese, cioè tutte le origini del jazz di New Orleans, ma alla fine era musica originale - il jazz di Jelly Roll stesso Morton.

Dopo il periodo di oscillazione degli anni '30, le fortune di Morton gli voltarono le spalle e tornò in California, dopo aver registrato le sue storie e la sua musica per la storia nel 1938 presso la Library of Congress. Per i due anni successivi, Morton si esibì con un'orchestra revival. Jazzisti di New Orleans e programmi solisti. Jelly Roll Morton morì a Los Angeles nel 1941.

Sono stati scritti libri sulla vita e il lavoro di Morton, e probabilmente si è detto di più su quest'uomo, che è uno strano miscuglio di genio del jazz e spaccone prepotente, che su qualsiasi altro musicista nella storia del jazz. Resta il fatto che il lavoro di Jelly Roll Morton ha avuto una grande influenza sullo sviluppo del primo jazz.

La musica jazz ha attraversato diversi periodi nella sua storia lunga un secolo. All'inizio fu accusata di bassezza del gusto, di bruttezza e non voleva entrare in una società decente, considerandola viziosa, "topo", bastardo, cioè musica per straccioni, perché non era stata inventata nei salotti musicali per i bianchi... Poi è arrivato il riconoscimento e l'amore non solo in America, ma in tutto il mondo. Da dove viene il nome di questa musica?

Origine del termine jazz non del tutto chiarito. La sua ortografia moderna è jazz- Fondata negli anni '20. Esistono molte versioni dell'origine della parola "jazz". Prima qualcuno lo ha chiamato una parola jass, dal nome, presumibilmente, di profumo di gelsomino, preferito dalle "sacerdotesse dell'amore" di Storyville a New Orleans. Nel tempo, la parola "jass" si è trasformata in jazz. Alcuni ricercatori ritengono che poiché lo stato della Louisiana era il territorio in cui originariamente i francesi davano il tono, il jazz provenisse da fr. Jaser"fai una conversazione emotiva". Alcuni sostengono che le radici della parola "jazz" - africano, significhi "spronare il cavallo". Questa interpretazione del termine "jazz" ha il diritto di esistere, poiché inizialmente questa musica sembrava davvero agli ascoltatori "spronata", incredibilmente veloce. Nel corso di oltre un secolo di storia del jazz, vari libri di consultazione e dizionari hanno continuamente "scoperto" numerose versioni sull'origine di questa parola.

Nel 1910 a New Orleans apparvero non solo le orchestre negre, ma anche bianche. Il "padre del jazz bianco" e la prima orchestra, creata nel lontano 1888, composta solo da musicisti bianchi, è considerata Jack Papà Lane(1873-1966). Lane chiamò la sua prossima orchestra, destinata a una lunga vita di quarant'anni Banda di ottoni di fiducia(I musicisti bianchi evitavano la parola "jazz" nei loro nomi, considerandola dispregiativa, perché il jazz era suonato dai neri!). Alcuni studiosi di jazz ritengono che l'orchestra di Lane abbia imitato lo stile jazz nero di New Orleans. Sì, e lo stesso Jack Lane chiamava la sua musica ragtime. I musicisti dell'orchestra erano molto popolari tra la popolazione bianca sulle piste da ballo di New Orleans, ma, sfortunatamente, nessuna registrazione di questa band è stata conservata.

La vita musicale di New Orleans non si è fermata. Cominciarono ad apparire nuovi musicisti, pionieri del jazz di New Orleans, che alla fine divennero delle star: Freddie Keppard(tromba, cornetta) Ragazzo Ori(trombone), Joe Oliver(cornetta). E il clarinettista Sydney Bechet, la cui deliziosa musica stupirà gli ascoltatori per quasi cinquant'anni.

Sydney Joseph Bechet(1897-1959) è nato in una famiglia creola. I genitori si aspettavano che la musica per la piccola Sydney sarebbe stata solo un hobby facile e non una professione.

Ma al ragazzino non interessava altro che la musica. Ha riconosciuto presto il suo genio musicale. Gli insegnanti si sono meravigliati di come questo bambino suonasse come se fosse in fiamme dal suo clarinetto! Non volendo studiare musica per molto tempo, Sydney Bechet alla tenera età di otto anni iniziò a suonare nelle band dei famosi trombettisti Freddie Keppard e Buddy Bolden. All'età di sedici anni, Sydney completò gli studi e si dedicò interamente alla musica. Bechet fu presto considerato il musicista più unico di New Orleans. Quando si parla di jazzisti che hanno lasciato un segno significativo nella musica, si parla principalmente di personalità e di come sono riusciti ad esprimere la propria personalità attraverso uno strumento musicale. A poco a poco, Bechet sviluppò il suo stile individuale e inimitabile con un vibrato potente e una linea melodica morbida. Ogni nota del jazzista svolazzava, tremava, tremava, ma il giovane musicista aveva anche l'"attacco pungente" più acuto. Sidney Bechet amava il blues e il clarinetto del musicista gemeva e piangeva, come se fosse vivo, tremando di singhiozzi.

Il diritto di parlare nella musica jazz con la "propria" voce era in quel momento la principale innovazione. Dopotutto, prima dell'avvento del jazz, il compositore ha detto al musicista cosa e come suonare. E il giovane Sidney Bechet, che a New Orleans era considerato una "meraviglia della natura", estraeva dallo strumento suoni tali che questo strumento, sembrerebbe, non poteva riprodurre. Nel 1914, il musicista lasciò la casa del padre, iniziò a viaggiare per il Texas e altri stati del sud con concerti, si esibì in carnevali, viaggiò con il vaudeville su battelli a vapore e nel 1918 finì a Chicago, poi a New York. Nel 1919 con un'orchestra Cucinerò Sydney Bechet è arrivata per la prima volta in Europa. Il tour di concerti dell'orchestra ha avuto molto successo e le esibizioni di Bechet sono state valutate da critici e musicisti professionisti come l'esibizione di un eccezionale clarinettista virtuoso e un artista brillante. Con il tour di musicisti eccezionali di New Orleans come Sidney Bechet, inizierà una vera epidemia di jazz in Europa. A Londra, il musicista ha acquistato in uno dei negozi un sassofono soprano, che per molti anni diventerà lo strumento preferito del jazzista. Il sassofono soprano permetteva al virtuoso di dominare qualsiasi orchestra. Negli anni '20 Sydney Bechet ha collaborato con pianista, compositore, bandleader Clarence Williams(1898-1965), registrato con Louis Armstrong e cantanti blues accompagnati. Nel 1924 Sydney suonò per tre mesi in una delle prime band da ballo. Duca Ellington, portando intonazioni blues e il vibrato profondo unico del suo clarinetto al suono del legame. Poi di nuovo in tournée in Francia, Belgio, Germania, Ungheria, Polonia. Nel 1926 Sydney Bechet tenne concerti in URSS con l'ensemble Frank Withers. Entro tre mesi i musicisti hanno visitato Mosca, Kharkov, Kiev e Odessa. Probabilmente l'Europa, più tollerante razzialmente, era molto affezionata al musicista, poiché in seguito, dal 1928 al 1938, il jazzista lavorò a Parigi.

Dopo lo scoppio della seconda guerra mondiale (1939-1945), quando la Francia fu occupata dai nazisti, Bechet tornò in America, lavorò in un club con un chitarrista Eddie Condona(1904-1973), divenuto famoso come autore di insoliti progetti musicali a cui hanno preso parte molti jazzisti tradizionali. La vita dei musicisti non è sempre liscia e sicura. Sydney Bechet negli anni '30, durante la crisi economica, fu costretto ad interrompere la sua attiva attività musicale. Sydney dovette persino aprire una sartoria, ma il ricavato si rivelò piccolo e il jazzista lì era più interessato alla musica che alla sartoria. Durante la sua carriera musicale, Bechet è stato invitato in molte orchestre, ma la natura litigiosa e pungente del musicista capriccioso, che non sempre controllava le sue passioni, ha spesso danneggiato il genio del sassofono soprano. Sydney fu espulso dall'Inghilterra e dalla Francia per rissa, il jazzista trascorse quasi un anno in una prigione di Parigi. Il musicista si sentiva anche un emarginato nella sua terra natale, negli Stati Uniti, dove la musica jazz suonava solo nei ristoranti, nelle sale da ballo o nelle riviste negre. E Sydney Bechet, che non era priva di narcisismo stellare, voleva il riconoscimento mondiale e sale degne.

Bechet è sempre stato un fan del jazz di New Orleans. Negli anni '40, quando lo swing fu sostituito dal bebop, il musicista fu l'iniziatore del revival del jazz tradizionale, prese parte al movimento revival - registrato su dischi con veterani del jazz come Jelly Roll Morton, Louis Armstrong, Willie Bank Johnson, Eddie Condon e così via.

Nel 1947 Sidney Bechet tornò di nuovo a Parigi, caro al suo cuore. Suonando con musicisti francesi, esibendosi in festival, girando in molti paesi, Bechet ha contribuito alla formazione del jazz tradizionale in Europa. Il musicista è diventato famoso e il tema della sua canzone Le Petite Fleure era incredibilmente popolare e amato in tutto il mondo della musica, una sorta di segno distintivo di un pioniere del jazz. Sydney Bechet era il "figlio adottivo" della Francia e morì sul suolo francese nel 1959. Nel 1960, dopo la morte di un musicista eccezionale, fu pubblicato il suo libro autobiografico Trattalo delicatamente. La Francia non ha dimenticato la sua preferita, a Parigi c'è una strada intitolata a Sidney Bechet ed è stato eretto un monumento al jazzista, e una delle migliori orchestre di jazz tradizionale francese porta il suo nome - Sidney Bechet Memorial Jazz Band.

Da New Orleans, la musica jazz si è diffusa in tutta l'America e poi in tutto il mondo, lentamente ma inesorabilmente. Ciò è stato facilitato dal fatto che è apparsa l'industria discografica, dal 1901 l'azienda di macchine "parlanti". Vincitore pubblicò il primo disco di grammofono. Le registrazioni di musica classica e del grande cantante italiano Enrico Caruso sono state pubblicate nelle maggiori tirature. Registra jazz su dischi all'inizio del XX secolo. nessuno ci ha ancora pensato. Per ascoltare il jazz, bisognava andare in luoghi dove suonava il jazz: nei balli, nei luoghi di intrattenimento, ecc. La registrazione del jazz non apparve fino al 1917, più o meno nello stesso periodo la stampa americana iniziò a scrivere di jazz. Pertanto, non sentiremo mai come suonava la cornetta il leggendario Buddy Bolden, come suonavano la pianista Jelly Roll Morton o il cornettista King Oliver all'inizio del secolo. Morton e Oliver iniziarono a registrare più tardi, dopo il 1920. E questo fece scalpore negli anni '10. il cornettista Freddie Keppard ha rifiutato di registrare dischi per paura che altri musicisti "rubassero il suo stile e la sua musica".

Freddie Keppard(1890-1933) - cornettista, trombettista, uno dei leader del legame di New Orleans, nacque in una famiglia creola. Dopo Buddy Bolden, Keppard è considerato la personalità più significativa del primo jazz. Da bambino, Freddie ha imparato a suonare molti strumenti, ma da adolescente, dopo aver imparato la cornetta, ha iniziato a esibirsi con le orchestre di New Orleans. Nel 1914 Keppard lasciò New Orleans per Chicago, nel 1915-1916. eseguita a New York. Nel 1918, il cornettista tornò di nuovo a Chicago, giocando con Joe King Oliver, Sydney Bechet, stupisce gli ascoltatori con il suo caratteristico suono di tromba, così potente che la sua potenza è stata paragonata a quella di una banda di ottoni militare. Un tale suono è stato dato allo strumento da un muto "gracidante". Ma Keppard, come ricordano testimoni oculari, sapeva suonare non solo la bravura, il suono della sua tromba, quando la composizione lo richiedeva, era morbido o forte, lirico o rude. Il trombettista padroneggiava l'intero spettro dei toni.

A Los Angeles, Keppard e altri sei musicisti si sono organizzati L'Orchestra Creola Originale. Si sono esibiti a New York e Chicago, dove Freddie è sempre stato accettato come "King Keppard". Si dice che il musicista prendesse note così acute sulla sua tromba che le persone nelle prime file cercassero di allontanarsi. Keppard era alto e forte e la sua tromba suonava come un musicista. Un giorno, un jazzista emise un suono così potente che il muto della sua tromba volò in una pista da ballo vicina. Tutti i giornali di Chicago hanno scritto di questo evento senza precedenti. Keppard era un musicista autodidatta che non conosceva l'alfabetizzazione musicale, ma aveva una memoria fenomenale. Quando era necessario imparare qualcosa di nuovo, Freddie prima ascoltava attentamente come uno dei musicisti suonava una nuova melodia, e poi lui stesso suonava quello che sentiva. Spesso i musicisti di New Orleans

zo non conosceva le note, ma allo stesso tempo erano interpreti virtuosi. Con tutta l'arte e la potenza del suo modo di suonare, Freddie Keppard aveva così paura degli imitatori che suonò la tromba con un fazzoletto che gli copriva le dita in modo che nessuno potesse ripetere la sua musica e ricordare le sue improvvisazioni.

Nel dicembre 1915 l'azienda Vincitore invitò Keppard e la sua orchestra a registrare su un disco di grammofono, sebbene il jazz non fosse mai stato registrato prima e le case discografiche non avevano idea se questi dischi sarebbero stati venduti. Naturalmente, per il musicista è stata un'occasione unica per essere un pioniere in questo settore. Sorprendentemente, Freddie ha rifiutato, temendo che altri musicisti avrebbero comprato il suo disco e sarebbero stati in grado di copiare il suo stile, rubandogli la fama. Keppard ha perso l'occasione di essere il primo musicista jazz ad essere registrato su un disco.

Va notato che l'intera storia del jazz, avvenuta nel XX secolo, risulta essere incompleta, poiché la principale prova di questa storia - le registrazioni - non è una prova completa. Dopotutto, il jazz è musica non documentata, a differenza della musica classica. La natura improvvisativa del jazz ha creato alcune delle più grandi lacune nella sua storia. Molti musicisti jazz che non hanno avuto la possibilità di registrare sono rimasti per sempre sconosciuti alla storia del jazz. E la moda, l'appeal commerciale del prodotto musicale e persino i gusti personali dei rappresentanti di questo business hanno influenzato anche la pubblicazione dei dischi. Tuttavia, senza le persone dell'industria musicale, dobbiamo dare loro il dovuto, la creazione di musica jazz e portarla al pubblico sarebbe impossibile.

Ma torniamo allo storico 1917, quando il jazz arrivò finalmente sul disco del grammofono. Il primo gruppo era Original Dixieland Jazz Band, che consisteva in cinque musicisti bianchi di New Orleans che si erano trasferiti dalla loro città natale a New York. Questa squadra era guidata da Nick LaRocca (1889-1961), che in precedenza aveva suonato nell'orchestra di Jack "Papa" Lane alla cornetta. Altri musicisti del quintetto hanno suonato clarinetto, trombone, pianoforte e percussioni. E sebbene i musicisti usassero le tecniche dei jazzisti neri di New Orleans nel loro modo di suonare, anche in nome del loro ensemble, Nick e i suoi compagni usarono il termine "Dixieland" (dall'inglese. Dixieland- la terra di Dixie - deriva dal nome degli stati meridionali del paese che esisteva negli USA), volendo sottolineare una certa differenza rispetto agli afroamericani.

Il leader di Dixieland, Nick LaRocca, era figlio di un calzolaio italiano. Uomo deciso e ambizioso, Nick ha imparato da solo a suonare la cornetta mentre si rinchiude in un fienile, lontano dal padre scettico. (Va notato che in questa fase dello sviluppo del jazz, molte famiglie bianche erano categoricamente contrarie alla passione dei loro figli per la musica per loro incomprensibile, "volgare e immorale"). L'attento studio di Nick delle tecniche esecutive dei musicisti di New Orleans Lane e Oliver ha dato i suoi frutti.

Record di banda - Livrea Stable Blues, Tiger Rag, Dixie Jass One Step- sono stati un enorme successo. (Dovresti prestare attenzione all'ortografia della parola jass, a quei tempi era scritta in quel modo.) Il disco, pubblicato nel marzo 1917, divenne immediatamente un successo. Molto probabilmente perché la musica era ballabile, divertente, "calda" e vivace. I musicisti hanno suonato il più velocemente possibile. Questo era richiesto dal tecnico del suono: due pezzi dovevano essere posizionati su un lato. Lo spettacolo è stato particolarmente divertente. Livrea Blues stabile("Blues stabile"). I jazzisti imitavano gli animali sui loro strumenti: il cornetto “nitriva” come un cavallo, il clarinetto “cantava” come un gallo. La tiratura di questo disco ha superato le centomila copie, più volte la tiratura dei dischi del grande tenore italiano Enrico Caruso!

È così che il jazz è entrato nella vita degli americani. Molti musicisti famosi hanno successivamente ascoltato questo disco, hanno imparato a suonarci nuovi ritmi. Gli "anarchici musicali", come lo stesso LaRocca chiamava i suoi compagni, hanno segnato la storia del primo jazz. Nel 1919, i musicisti del Nick LaRocca Ensemble fecero un tour in Inghilterra, dove ebbero uno straordinario successo. La jazz band ha registrato la sua musica su una compagnia inglese Colombia. Dall'Europa, i musicisti portarono molti temi popolari in quel momento, che erano inclusi nel repertorio dell'ensemble. Ma presto la band si sciolse (intervennero la guerra e la morte di uno dei musicisti). Lo stesso Nick rinfoderò la sua pipa nel 1925 e tornò a New Orleans, nell'impresa edile di famiglia.

Tuttavia, fino alla fine della sua vita, LaRocca ha continuato a insistere sul fatto che è stato lui a inventare il jazz e i musicisti negri gli hanno rubato questa invenzione. Una cosa è certa: il merito nella divulgazione del jazz è di Nick LaRocca e del suo team. Anche se ora sappiamo come è nata questa musica meravigliosa, che è inevitabilmente connessa con tutta la storia e la mitologia americana, la razza nera e il colore della pelle.

Il jazz è un tipo speciale di musica che combina musica americana dei secoli precedenti, ritmi africani, canti profani, di lavoro e rituali. I fan di questo tipo di direzione musicale possono scaricare i loro brani preferiti utilizzando il sito http://vkdj.org/.

Caratteristiche jazz

Il jazz si distingue per alcune caratteristiche:

• ritmo;
• improvvisazione;
• poliritmo.

Ha ricevuto la sua armonia come risultato dell'influenza europea. Il jazz si basa su un ritmo particolare di origine africana. Questo stile copre le direzioni strumentali e vocali. Il jazz esiste attraverso l'uso di strumenti musicali, che sono di secondaria importanza nella musica ordinaria. I musicisti jazz devono avere la capacità di improvvisare in solista e orchestra.

Aspetti caratteristici della musica jazz

Il segno principale del jazz è la libertà del ritmo, che risveglia negli interpreti un senso di leggerezza, rilassamento, libertà e continuo movimento in avanti. Come nelle opere classiche, questo tipo di musica ha una sua dimensione, un ritmo, che si chiama swing. Per questa direzione, la pulsazione costante è molto importante.

Il jazz ha un suo repertorio caratteristico e forme insolite. I principali sono blues e ballad, che servono come una sorta di base per tutti i tipi di versioni musicali.

Questa direzione della musica è la creatività di chi la esegue. È la specificità e l'originalità del musicista che ne costituisce la base. Non è possibile impararlo solo dalle note. Questo genere dipende interamente dalla creatività e dall'ispirazione dell'esecutore al momento del gioco, che mette le sue emozioni e la sua anima nell'opera.

Le caratteristiche principali di questa musica includono:

• armonia;
• melodiosità;
• ritmo.

Grazie all'improvvisazione, ogni volta viene creata una nuova opera. Mai nella vita due brani eseguiti da musicisti diversi suoneranno allo stesso modo. Altrimenti le orchestre cercheranno di copiarsi a vicenda.

Questo stile moderno ha molte caratteristiche della musica africana. Uno di questi è che ogni strumento può fungere da strumento a percussione. Quando si eseguono composizioni jazz, vengono utilizzati toni colloquiali noti. Un'altra caratteristica presa in prestito è che il suono degli strumenti copia la conversazione. Questo tipo di arte musicale professionale, che cambia molto nel tempo, non ha confini precisi. È completamente aperto all'influenza degli artisti.