1 PARTE DELLA DOMANDA

Ci sono tre periodi distinti nell'opera drammatica di Shakespeare.

Nel primo periodo creatività Shakespeare vive di umori che sono stati determinati dall'impennata nazionale, dall'unità temporanea delle principali forze sociali che hanno difeso l'indipendenza del Paese; La vittoria dell'Inghilterra sulla Spagna fu percepita da lui, così come da altri umanisti, come la vittoria di un nuovo modo di vivere sul vecchio, come prova dell'inevitabile trionfo dei principi progressisti della vita sociale.

Pertanto, nel primo periodo (1590 - 1600) prevale una visione allegra e ottimista, la fede nella risolvibilità della vita e nelle contraddizioni sociali nel modo migliore per una persona. Un'atmosfera di ottimismo umanistico aleggia su tutte le opere di questo periodo, intrise di un desiderio di risoluzione armoniosa delle contraddizioni e di una convinzione nella realizzabilità di questa armonia.

Commedie e cronache storiche. Sogno di una notte di mezza estate, Il mercante di Venezia, Tanto rumore per nulla, Come piace a te, La dodicesima notte, Riccardo III, Riccardo II, Enrico IV, Enrico V. Tragedie "Romeo e Giulietta" e "Giulio Cesare". Credere nella possibilità di armonia tra l'uomo e il mondo. Credenza nella possibilità dello sviluppo della personalità rinascimentale. Il male non è di natura globale, è vittorioso (Romeo e Giulietta: le famiglie riconciliate sulla tomba dei bambini) ed è connesso al fatto che è già un ricordo del passato (feudo familiare medievale).

Shakespeare non perde i suoi ideali umanistici e il secondo periodo di creatività (1601 - 1608).

I problemi della vita che deprimevano Shakespeare erano manifestazioni dell'ingiustizia sociale di cui soffriva il popolo. Le opere di Shakespeare riflettevano l'indignazione dei più ampi strati democratici della società, la loro profonda insoddisfazione per le condizioni esistenti e, allo stesso tempo, il sogno di un diverso ordine di vita, in cui tutti questi disastri sarebbero scomparsi, lasciando il posto alla libertà e benessere generale. È dal punto di vista dei suoi ideali che Shakespeare si rende conto che le contraddizioni sociali si rivelano più profonde, più acute, più antagoniste di quanto credesse. Ora la rappresentazione delle contraddizioni antagonistiche sta guadagnando il predominio nei suoi drammi. L'acutezza di queste contraddizioni non consente la loro armoniosa riconciliazione, richiede una lotta fino alla fine, una lotta nel corso della quale si svela tutto il potere del male nella vita. Un atteggiamento tragico (Tragedies. Hamlet (1601), Otello (1604), Macbeth (1605), King Lear (1605) e altri) prevale nell'opera shakespeariana di questo periodo, ma non raggiunge mai il pessimismo. Shakespeare ha cercato appassionatamente una via d'uscita dalle tragiche contraddizioni della vita.

Giunge alla conclusione che il Male è onnicomprensivo. È possibile superare la sua manifestazione, ma non il male stesso.

Ma ancora, anche in questo periodo di più cupa percezione della vita, mantenne la fede nell'uomo, nel trionfo finale dei migliori principi della vita.

Questo è ciò che ha permesso a Shakespeare di andare avanti, terzo periodo (1609 - 1613) tornare alla ricerca di una soluzione ottimistica ai conflitti della vita. Ma poiché nella realtà contemporanea di Shakespeare non c'erano prerequisiti immediati per la vittoria del bene e della giustizia, questa decisione non poteva che essere utopica in quel momento. Ne consegue che in questo periodo il realismo sobrio e spietato cede spesso il passo in Shakespeare all'idealizzazione dei fenomeni della vita. Le opere di questi anni sembrano meno realistiche della maggior parte dei drammi dei due periodi precedenti. Nelle opere dell'ultimo periodo è chiaramente espressa la speranza di Shakespeare che la generazione più giovane vivrà in modo diverso da quella più anziana. Non per niente la questione del destino dei bambini gioca un ruolo così significativo nelle opere teatrali di questi anni (Marina in Pericle, Perdita nel Racconto d'inverno, I figli di Cymbeline, Ferdinando e Miranda nella Tempesta).

Durante questo periodo sono state create le seguenti: Tragicommedia (commedie con un contenuto fortemente drammatico, ma a lieto fine). estetica barocca. Il tragicismo si vince con l'aiuto della morale stoica. Motivi da favola. Personaggi mascherati. Il lieto fine è il risultato del caso.

2 PARTE DELLA DOMANDA

Sonetto (sonetto italiano, dalla Provenza sonet - canzone) - un tipo (genere) di testi, la cui caratteristica principale è il volume del testo. Un sonetto è sempre composto da quattordici versi. Altre regole per comporre un sonetto (ogni strofa termina con un punto, non si ripete una sola parola) sono tutt'altro che sempre osservate. I quattordici versi del sonetto sono disposti in due modi. Può essere due quartine e due terzine, oppure tre quartine e distico. Si presumeva che nelle quartine ci fossero solo due rime e nelle terceti potessero esserci due o tre rime .(Un sonetto è una poesia di 14 versi sotto forma di una strofa complessa, composta da due quartine (quartine) per 2 rime e due terzine (tre versi) per 3, meno spesso - per 2 rime.)

La forma inglese del sonetto si è diffusa in quanto rivela una notevole semplificazione associata ad un aumento del numero delle rime:

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Dal punto di vista del contenuto, il sonetto assumeva una certa sequenza di sviluppo del pensiero: tesi - antitesi - sintesi - epilogo. Tuttavia, anche questo principio non è sempre rispettato.

Durante il Rinascimento, il sonetto divenne il genere dominante della poesia lirica. Quasi tutti i poeti del Rinascimento si rivolgevano a lui: P. Ronsard, J. Du Bellay, Lope de Vega, L. Camoens, W. Shakespeare e anche Michelangelo e Mary Stuart.

Nella loro opera, il sonetto ha finalmente acquisito le sue caratteristiche sostanziali intrinseche: autobiografia, intellettualità, lirismo. Nei sonetti, specialmente nei cicli di sonetti, si nota la massima convergenza dell'autore e dell'eroe lirico. Il sonetto diventa una risposta agli eventi vissuti dal poeta. Inoltre, i sonetti sono spesso scritti come poesie occasionali. Tuttavia, l'autobiografia non implicava la realtà. Gli eventi nel sonetto sono impliciti e indovinati, pur non essendo sempre decifrati. Il sonetto era originariamente caratterizzato da una comprensione universale della realtà. Il sonetto è un mondo in miniatura, il poeta si occupa dei problemi cardinali dell'esistenza umana (vita e morte, amore e creatività, conoscenza di sé e comprensione delle leggi della realtà circostante). Allo stesso tempo, la riflessione è sempre estremamente emotiva, l'immagine del mondo è acquisita dal poeta.

34 Sonetti William Shakespeare - poesie di William Shakespeare scritte sotto forma di sonetto. Ce ne sono 154 in totale e la maggior parte sono state scritte nel 1592-1599. I sonetti di Shakespeare furono pubblicati per la prima volta nel 1609, apparentemente all'insaputa dell'autore. Tuttavia, due sonetti apparvero in stampa già nel 1599 nella raccolta piratata The Passionate Pilgrim. Questi sono i sonetti 138 e 144.
Continua a rimanere un mistero fino ad oggi, nonostante gli innumerevoli studi, la parte più famosa dell'eredità poetica di Shakespeare sono i suoi sonetti. Ai contemporanei sembravano "dolci come lo zucchero". Questo fu sufficiente per infiammare l'avidità dei venditori di libri e un "pirata dei libri" di nome Jaggard stampò diversi sonetti nell'edizione dei suoi ladri di The Passionate Pilgrim (1599), che attribuì falsamente a Shakespeare. Altri sonetti si imbattono in altre edizioni predatorie delle opere di Shakespeare. E nel 1609 il "pirata dei libri" Thorpe tira fuori una copia completa dei sonetti di Shakespeare, che circolavano nei circoli letterari, e li pubblica senza il permesso dell'autore.
Gli studiosi di sonetti rientrano in due direzioni principali: alcuni considerano tutto in essi autobiografico, altri, al contrario, vedono i sonetti come un esercizio puramente letterario in uno stile alla moda, senza negare, tuttavia, il significato autobiografico di alcuni dettagli. La base della teoria autobiografica è l'osservazione perfettamente corretta che i sonetti non sono una semplice raccolta di singole poesie. Ogni sonetto contiene, naturalmente, qualcosa di completo, come espressione integrale di un pensiero. Ma se leggi sonetto dopo sonetto, vedrai senza dubbio che costituiscono una serie di gruppi e che all'interno di questi gruppi un sonetto è, per così dire, la continuazione di un altro.

35. Nuovo sistema figurativo e unità interna della raccolta dei sonetti di Shakespeare.

La condanna dell'egoismo, che attraversa l'intera raccolta dei sonetti, trova nelle prime poesie, che sono tradizionalmente considerate sonetti indirizzati ad un amico, una concretizzazione espressiva e specificamente shakespeariana. In essi Shakespeare consiglia ripetutamente al destinatario dei suoi sonetti di perpetuare la sua bellezza nei posteri e di far nascere così una nuova bellezza. Questo tema, connesso con la comprensione dell'amore come principio creativo, è già stato incontrato in Venere e Adone; qui si rivela con particolare pienezza.

La valutazione shakespeariana dell'amore e dell'amicizia non lascia spazio alla gelosia, un sentimento egoistico basato sul trattamento di una persona cara come propria proprietà. Tuttavia, ciò non significa affatto che l'amore del poeta sia segnato solo da un sentimento di giubilo senza nuvole. Quando Shakespeare si rende conto con amarezza che la sua amata non gli appartiene interamente, ne parla con un tocco di trattenuta, pacata tristezza, che approfondisce e arricchisce il suo amore e lo rende ancora più disinteressato (sonetti 57, 58, 61). Questa lugubre intonazione si intensifica e si fonde con note di protesta solo quando: il poeta nota nel comportamento della sua amata un tratto di depravazione che minaccia la sua bellezza e il suo onore (sonetti 95, 96).

Un posto speciale nella raccolta è occupato da 25 sonetti (127-152), di cui si può parlare con una certa certezza (ancora, basandosi non su fatti storici e biografici, ma sull'unità ideologica e artistica di questo gruppo di poesie) come un riflesso poetico della passione di Shakespeare per l'ignoto, una donna sposata che la tradizione ha chiamato "la bruna signora dei sonetti"

Se nei sonetti, dove Shakespeare discuteva con i poeti moderni, parlava con una negazione teorica dei tentativi di abbellire la vita, la natura, ora continua questa controversia con altri mezzi, dipingendo un ritratto della sua amata come era realmente, e non aggiustandolo a un condizionale l'ideale della bellezza femminile, affermato nella letteratura del Rinascimento. Secondo questo ideale, una bellezza dovrebbe avere morbidi capelli biondi, occhi luminosi, pelle bianca come la neve, arrossire sulle guance, ecc. Shakespeare sottolinea con orgoglio che la sua amata non corrisponde a nessuna di queste definizioni - eppure è più bella "dipinta dee". Il famoso 130° sonetto offre non solo un ritratto della "dama oscura"; rivela anche le peculiarità della visione del mondo di Shakespeare - un uomo del Rinascimento, che prova gioia da ciò che percepisce con tutti i sensi terreni - vista, udito 13, olfatto, tatto - la bellezza terrena della sua amata. Sparsi in vari sonetti, dettagli separati - a volte contraddittori - consentono di ricreare il personaggio di una donna bruna - seducente e crudele, gentile e civettuola, appassionata e ventosa, con la stessa completezza dell'apparenza. E ancora, un'attrazione irresistibile per questa donna vivace e volubile caratterizza lo stesso poeta, per il quale una donna terrena con virtù luminose e difetti non meno luminosi è più attraente delle bellezze carine, persino divine, ma fredde.

Gli ultimi sonetti, con forza mozzafiato e massima sincerità, raccontano il grande sconvolgimento spirituale vissuto dal poeta, convinto della depravazione della sua amata.

Sebbene la maggior parte dei sonetti sia dedicata alla risoluzione di problemi etici, in essi si manifesta costantemente l'interesse del poeta per la vita sociale della sua epoca.Talvolta questo interesse, sotto forma di un'appassionata protesta contro l'ingiustizia che regna nel mondo, irrompe in primo piano, mettendo da parte i pensieri di amore e amicizia.

Tuttavia, tutti i sonetti shakespeariani hanno un'importante caratteristica comune che è caratteristica dello stile creativo del poeta. Consiste in un dramma intenso, che è saturo di ogni sonetto. Vi è necessariamente un forte conflitto in esso, che, di regola, si risolve negli ultimi due versi del sonetto; quindi, la forma scelta da Shakespeare, quando i due versi finali fanno rima, esprime perfettamente lo scontro di due opposte tendenze e il risultato di questo scontro, espresso nei versi di chiusura in un chiaro enunciato aforistico.

36. Fonti e innovazione di W. Shakespeare nella tragedia "Amleto". Il tema del "teatro nel teatro". Simbolismo dei nomi personali. SERGIENKOVA

Le origini della trama e l'immagine di Amleto come immagine eterna. Amleto aveva un vero prototipo: il principe danese Amlet, vissuto prima dell'826 (poiché la storia di Amleto si riferisce, secondo le fonti, all'epoca pagana, e quest'anno può essere considerato l'inizio della cristianizzazione della Danimarca, quando il primo cristiano vi giunse la missione; l'adozione ufficiale del cristianesimo avvenne sotto Araldo I nel 960).

Circa 400 anni dopo, viene menzionato in una delle saghe islandesi dal poeta scaldico Snorri Sturluson (1178-1241), il più famoso degli islandesi, secondo gli abitanti di quest'isola settentrionale. Più o meno nello stesso periodo, la storia di Amleth fu raccontata dal cronista danese Saxo Grammaticus (morto intorno al 1216) nel libro III delle Storie dei danesi (in latino, intorno al 1200). In Saxo the Grammar, Amlet è un esecutore di giusta vendetta volitivo, astuto e crudele. È alquanto sospetta la coincidenza del motivo di questa vendetta con l'antico mito di Oreste, che vendica la morte del padre Agamennone al suo assassino Egisto, che sedusse la madre di Oreste per impadronirsi del trono. Ma, d'altra parte, una storia del genere avrebbe potuto benissimo aver luogo nella realtà e il cronista danese medievale potrebbe non aver conosciuto l'antico mito. Naturalmente Shakespeare non lesse la Saxo Grammar, ne apprese la trama da fonti successive, che però, secondo gli studiosi, risalgono a questo testo.

Passarono altri 400 anni e la storia del principe divenne nota in Francia, dove la Storia della grammatica danese di Saxo fu pubblicata per la prima volta (in latino) a Parigi nel 1514. Nella seconda metà del secolo attirò l'attenzione del poeta e storico francese François de Belforet (François de Belleforest, 1530–1583) e fu da lui raccontato in francese ea modo suo, diventando “La terza storia - su quale trucco Amleto, futuro re di Danimarca, concepì per vendicare suo padre Horvvendil, ucciso dal fratello Fangon, e su altri eventi della sua vita "nella raccolta di testi di Belfort (compilazioni simili, traduzioni, imitazioni), che facevano parte dell'opera collettiva in cinque volumi" Storie straordinarie estratte da molti autori famosi "(" Histoires prodigieuses extradites de plusieurs fameus auteurs ") . La storia è stata tradotta in inglese con una serie di modifiche sotto il titolo "The History of Hamlet", Shakespeare potrebbe aver utilizzato le edizioni del 1576 o del 1582). E già nel 1589, lo scrittore inglese Thomas Nash parla di "un mucchio di Amleti, che spargono manciate di tragici monologhi" (Citato da: Anikst A.A. "Hamlet" // Shakespeare W. Full. Collected Op.: In 10 vols. M. , 1994. T. 3. S. 669). Poi venne la tragedia di Amleto, attribuita a Thomas Kidd. Il suo testo non è stato conservato, ma si sa che conteneva già il fantasma del padre di Amleto, che chiamava il figlio alla vendetta. Ovviamente, il tema della vendetta era quello principale. Da questo presupposto discende l'attribuzione dell'opera perduta al genere della "tragedia della vendetta", in voga in Inghilterra all'epoca, per lo stesso motivo gli esperti l'hanno associata al nome di Kid, il più grande maestro del genere.

Quindi, ci sono voluti 400 anni perché la storia di una persona reale diventasse il materiale della letteratura. Per altri 400 anni acquisì gradualmente le caratteristiche di un popolare eroe letterario. Nel 1601 Shakespeare, nella sua tragedia, elevò Amleto al livello di uno dei personaggi più significativi della letteratura mondiale. Ma l'idea di Amleto come immagine eterna si è formata per altri 400 anni, fino ai nostri giorni. C'è un evidente ciclo di 400 anni nello sviluppo dell'immagine.

Il ciclo di 400 anni di formazione dell'immagine di Amleto come immagine eterna della letteratura mondiale non rientra nel corso generale del processo letterario mondiale con i suoi "archi di tre secoli". Se ci volgiamo ad altre immagini eterne, possiamo notare il ciclo emergente di 400 anni nelle immagini di Don Chisciotte, Don Giovanni, Faust e alcuni altri, e altri cicli in molti altri casi. Da qui la conclusione: sebbene le immagini eterne si sviluppino ciclicamente, questa ciclicità non coincide quasi mai con i cicli generali dello sviluppo della letteratura mondiale. In altre parole, le immagini eterne non sono casualmente dette eterne: non sono legate alle leggi della storia della letteratura (hanno in questo senso un carattere astorico).

Ma questo non significa che non siano in alcun modo legati alla storia della letteratura, liberi da essa. Il ritmo della storia letteraria si manifesta nell'interpretazione delle immagini eterne, che ne influenza il funzionamento nella cultura.

Se si applica il rapporto delle ciclicità all'immagine di Amleto, si può concludere che sia da considerare diversamente in relazione all'"arco trecentesco" del New Age (XVII-XIX secolo) e all'"arco trecentesco" dell'età moderna (XX-XXII sec.).

Sarebbe sbagliato credere che l'attribuzione di Amleto alle immagini eterne sia innegabile. Negli anni '30, la "Enciclopedia della letteratura" pubblicò un articolo "Amleto", scritto da I. M. Nusinov, autore di famose opere sulle immagini eterne (o, come credeva, "secolari") (vedi: Nusinov I. M. " Immagini del secolo" (Mosca, 1937), La sua storia di un eroe letterario (Mosca, 1958). Quindi, è stato I. M. Nusinov che in questo articolo ha negato categoricamente la possibilità di classificare Amleto come un'immagine eterna. Scrive: “G[amlet] è l'immagine sintetica di un nobile discendente del XVI secolo, il quale, avendo perso la sua base sociale, dubitava della verità secolare, ma non ne trovò una nuova, perché la nuova verità è la verità della classe che ha strappato a G[amlet] da -sotto i piedi della sua fondazione. L'assalto di questa nuova classe li costringe a guardare in modo critico alla secolare verità feudale, alla verità della Chiesa cattolica, e ad ascoltare le voci di Bruno, Montaigne e Bacon. Ma il “regno dell'uomo”, a cui Bacon chiama, segna la fine del regno del feudatario. Il “Principe G[amlet]” si allontana dalla fede di J. Bruno, dall'affermazione della gioia della vita di Montaigne, dall'ebbrezza del potere della conoscenza di Bacon, dal sacrificio creativo e dall'efficacia del pensiero del Rinascimento e afferma la filosofia della mancanza di volontà, del cinismo pessimista, del trionfo del verme divorante, della sete di fuga dal “giardino vuoto” della vita nell'inesistenza”. Da qui la conclusione dello scienziato: “L'immagine di H[amlet] è determinata dalla sua realtà. Pertanto, G[amlet] per il suo tempo era solo un'immagine sociale. Divenne un tipo psicologico, una "immagine eterna", una categoria filosofica, "amletismo" - per i secoli successivi. Altri ricercatori hanno persino sostenuto che l'autore di "G[amlet]" fin dall'inizio si è posto il compito di creare un "tipo umano generale", una "immagine eterna". Questo è vero solo nel senso che la classe è spesso incline ad elevare la sua esperienza storica a norma eterna, percepisce la crisi della sua vita sociale come una crisi dell'essere. Alla classe sembra allora che l'aristocratico non discendente oscilli tra le vecchie norme feudali e le nuove norme borghesi, tra i dogmi delle religioni ei dati dell'esperienza, tra la fede cieca e il pensiero critico; un aristocratico che non perde il suo equilibrio sociale è pronto a cadere nell'oblio, se non altro per conoscere le catastrofi della discesa della scala sociale, e una persona di tutte le età cerca di liberarsi del "fardello della vita", porre fine ai "problemi ”, che è “così resistente”. La pace della morte richiama dalla disperazione di più di un "principe di Danimarca". Per tutti "i vivi, un tale fine è degno di ardenti desideri". Il dramma della classe è stato interpretato dall'autore di "G[amlet]" come il dramma dell'umanità. Ma, in sostanza, non ha dato il dramma eterno dell'umanità, nemmeno il dramma di tutta la sua epoca, ma solo il dramma di una certa classe in un certo periodo di tempo. Il dramma dell'Amleto, come è già stato chiarito, era assolutamente estraneo ai pensatori contemporanei di Shakespeare, il cui pensiero era determinato dall'esistenza della borghesia. Per loro, come abbiamo visto, il pensiero non paralizzava l'azione, ma, dirigendo, stimolava solo una maggiore attività. [...] Il mondo e l'uomo sono belli, ma non gli è dato di essere felice - questo è il significato delle lamentele di Amleto. Pertanto, non è detto che la vita per l'aristocrazia discendente sia diventata una "miscela di vapori velenosi". D'ora in poi, non sarà lei, ma la borghesia accumulata che coltiverà il giardino della vita. Il dramma di G[amlet] è il dramma di una classe buttata fuori dal suo nido secolare. Guai ad H[amlet] - dolore a colui che, presso le rovine dell'edificio creato dalla sua classe, non si rende conto che gli edifici di questa classe non possono più essere eretti, non ha abbastanza forza per entrare nei ranghi della costruttori di una nuova classe, e tutto il tempo passa da una timida speranza a una nuova, al desiderio e alla disperazione per il vecchio perduto. Non c'è ritorno al passato, non c'è abbastanza forza per unirsi al nuovo. [...] Qui si rivela fino in fondo che H[amlet] è un'immagine di classe, temporanea, e non universale, eterna. Una grande azione può essere compiuta dalle forze della classe giovane. È al di là del potere del solo G[amlet], egli “si confonde, schiva, si spaventa, poi avanza, poi indietreggia” (Goethe), mentre la nuova classe crea una nuova “connessione dei tempi”. Sintetizzando la crisi della nobiltà inglese all'incrocio di due formazioni sociali - feudale e capitalista - G[amlet] potrebbe successivamente acquisire il significato di simbolo per alcuni gruppi sociali di vari popoli, quando essi, trovandosi anche all'incrocio di due formazioni sociali, non poteva più continuare a seguire la via della classe storicamente condannata, né iniziare a costruire un nuovo edificio sociale. [...] Gli Amleti vengono ogni volta che una classe perde terreno, quando manca un'effettiva determinazione a strappare il potere a una classe che invecchia, e quando i migliori rappresentanti di una classe giovane morente o ancora debole, che hanno capito che il vecchio è condannati, non hanno la forza di stare sul terreno della classe che li sostituirà, perché sono "soli e infruttuosi". L'"amletismo" non è una proprietà eterna dello spirito umano inquisitore e dubbioso, ma l'atteggiamento della classe, dalle cui mani è caduta la spada storica. Per lui il pensiero è il pensiero della sua impotenza, e perciò «il rossore di una forte volontà svanisce in lui quando comincia a pensare». Il desiderio di vedere in Amleto l'eterno “sacco dei vivi” è, nelle parole appropriate di Gervino, “solo l'incapacità degli idealisti-sognatori di sopportare la realtà”, che li condannava a una riflessione amletica infruttuosa.

Questo è sicuramente un concetto. Ma, credo, la negazione dell'“eterno” in Amleto testimonia piuttosto non la temporalità dell'immagine, ma la temporalità (connessione con il proprio tempo) del concetto. Non è un caso che l'autore parli di "William Shakespeare", prendendo il suo nome tra virgolette: lui, sviluppando la logica del suo concetto, ritiene che le opere di Shakespeare siano state scritte da uno degli aristocratici inglesi. Solo in base a tale presupposto la sua concezione ha il diritto di esistere, ma se Shakespeare è un drammaturgo e attore del Globe Theatre, perde il suo nucleo principale. Il thesaurus culturale, personale o collettivo, è sempre segnato da incompletezza, frammentazione, relativa incoerenza rispetto allo sviluppo stesso della cultura. Ma frammenti di realtà sono soggettivamente legati in un'unica immagine, il che sembra logico. Il pensiero è un dizionario dei sinonimi. Nel concetto di I. M. Nusinov, questo era chiaramente manifestato. Percepiamo le sue opinioni nello stesso modo del thesaurus: qualcosa (per esempio, l'affermazione che Shakespeare non concepiva l'immagine di Amleto come eterno) è del tutto accettabile, qualcosa (prima di tutto, la riduzione della tragedia di Amleto alla tragedia del feudatario classe, su quale borghesia) sembra semplicemente ingenuo.

In tutti gli altri concetti si troveranno le stesse limitazioni del thesaurus. Ma è in questa forma che le immagini eterne esistono nella cultura mondiale.

Scrivere

La periodizzazione dell'opera shakespeariana generalmente accettata in Shakespeare, che distingue tre periodi e rimanda il confine tra il primo e il secondo periodo al 1600-1601, determina nel complesso correttamente le tappe principali dello sviluppo creativo del poeta. Tuttavia, questa periodizzazione necessita di alcuni perfezionamenti.

Un'analisi delle opere teatrali del primo periodo mostra che a metà degli anni '90 si sono verificati seri cambiamenti nell'opera di Shakespeare. E sebbene i modelli principali che consentono di individuare l'opera di Shakespeare nel 1590-1601 come un periodo speciale siano evidenti, all'interno del primo periodo si possono delineare due fasi. Lo studio delle commedie e delle cronache è particolarmente convincente in questo. È più difficile utilizzare la tragedia del primo periodo per provare questo punto, poiché "Tito Andronico" porta una chiara impronta di un apprendistato, e il periodo che separa la scrittura di "Romeo e Giulietta" da "Giulio Cesare" è troppo lungo per aiutare a stabilire la cronologia dei cambiamenti avvenuti nell'opera di Shakespeare durante il primo decennio. Ma i tratti di "Giulio Cesare", che lo distinguono dalle prime tragedie e lo avvicinano alle opere del secondo periodo, mostrano che anche la tragedia di Shakespeare subì una seria evoluzione durante il primo periodo.

Alcuni studiosi che non aderiscono alla periodizzazione sopra indicata dividono i primi lavori di Shakespeare in due periodi indipendenti. Quindi, ad esempio, Peter Alexander offre la seguente periodizzazione dell'opera del poeta: I periodo - 1584-1594, I - 1594-1599, III - 1599-1608, IV - 1608-16131. Alexander basa la sua periodizzazione su circostanze puramente biografiche, che, ovviamente, non possono spiegare i cambiamenti fondamentali nell'opera del poeta; Lo stesso Alessandro ne parla. Ma è importante che un così noto specialista riconosca la possibilità di dividere l'opera di Shakespeare prima del 1600 in due periodi che differiscono significativamente l'uno dall'altro nel loro carattere.

Non ha senso collegare i cambiamenti nell'opera di Shakespeare a metà degli anni '90 con i singoli eventi di questo periodo, così come, ad esempio, non si può esagerare l'importanza della cospirazione dell'Essex per il passaggio all'opera del secondo periodo. È più corretto vedere la ragione di questi cambiamenti nei mutamenti sociali, politici e ideologici generali avvenuti durante gli ultimi anni del regno di Elisabetta e che non potevano non risvegliare il desiderio del poeta di comprendere meglio le tendenze nello sviluppo della società inglese.

Questi cambiamenti si riflettevano principalmente nelle posizioni del potere reale in Inghilterra. Se prima della sconfitta dell'Armada nel 1588 e nei primi anni dopo questo evento storico, l'assolutismo, pur continuando in una certa misura a svolgere la funzione di organizzatore della nazione, godette dell'appoggio della borghesia e della nuova nobiltà, allora nella seconda metà degli anni '90, il governo di Elisabetta, spaventato dal rafforzamento della parte più radicale della borghesia inglese, cercava sempre più insistentemente appoggio negli ambienti feudali reazionari. Durante questi anni, un aspetto così inaccettabile della politica elisabettiana come il sistema del favoritismo, che si trasformò in una specifica forma di controllo da parte dell'aristocrazia su interi settori dell'economia inglese, fu nettamente smascherato. Il favoritismo era tanto più ostile ai circoli progressisti della società inglese perché le forze spesso si raggruppavano attorno ai favoriti, cercando di limitare il potere reale a favore della reazione feudale attraverso cospirazioni e colpi di stato di palazzo.

Alla fine del secolo ci sono anche seri cambiamenti nel comportamento politico della borghesia inglese. L'intero periodo successivo al 1588 è caratterizzato dal rapido sviluppo dei rapporti capitalistici e dall'attivazione della borghesia sia in campo politico che in campo ideologico. Ma il carattere offensivo della politica della borghesia cominciò a farsi veramente sentire solo negli ultimi anni del regno di Elisabetta.

La Camera dei Comuni fungeva da barometro per il rapporto della borghesia con i reali. Già nel 1571, Elisabetta poteva ignorare l'opinione dell'opposizione puritana in Parlamento. Marx specifica questo fatto negli Estratti cronologici: "1571 "Bess" incontrò la prima vera resistenza in Parlamento da parte dei puritani ... "Bess" sciolse il Parlamento e gli annunciò allo stesso tempo attraverso il custode del sigillo: "Che Sua Maestà Reale non approva e condanna assolutamente la loro stupidità, che consiste nel fatto che interferiscono in questioni che non solo non li riguardano, ma sono anche inaccessibili alla loro comprensione.

E alla fine del regno di Elisabetta, il Parlamento divenne una forza in grado di resistere con successo alla volontà della regina. "L'ultima sessione del parlamento", scrive V.F. Semenov, "convocata sotto Elisabetta (nel 1601), si concluse con la resa virtuale del governo all'opposizione. Elisabetta, in risposta alle proteste della Camera dei Comuni, causate dall'ampia distribuzione dei monopoli, ha promesso in futuro di interromperne completamente la vendita. E l'opposizione alla distribuzione dei monopoli era una protesta chiaramente espressa della borghesia contro la politica della regina e dell'élite aristocratica della corte feudale.

Anche la posizione delle masse è cambiata. In precedenza, il governo ha cercato almeno di rallentare la recinzione delle terre comunali e fermare il "vagabondaggio" con leggi punitive crudeli. E nel 1598 furono emanate leggi in cui, oltre alle misure punitive per i "vagabondi", si regolavano anche i doveri delle parrocchie di mantenere i poveri. Così, come sottolinea Marx, «il governo è stato infine costretto a riconoscere ufficialmente il pauperismo, a introdurre una tassa a favore dei poveri»5. Il governo si rivelò impotente a coinvolgere nella produzione i contadini cacciati dalla terra. Intanto il pauperismo in Inghilterra alla fine del Cinquecento raggiunse proporzioni enormi. Secondo i dati forniti da V.F. Semenov nell'opera "Il pauperismo in Inghilterra nel XVI secolo. e la legge Tudor”, nella sola Londra all'inizio del XVII secolo c'erano circa 50mila poveri, che erano quasi un quarto dell'allora popolazione londinese.

A differenza dei sottoproletari dei periodi successivi, i poveri del XVI secolo erano una forza sociale attiva che sosteneva le rivolte rivoluzionarie dei contadini e le azioni dei poveri urbani, e introdussero persino gli slogan più radicali nel movimento. «Non va dimenticato», scrive Engels, «che la maggioranza di questa classe, proprio quella che abitava nelle città, possedeva allora ancora una quota significativa di sana natura contadina e per lungo tempo era estranea alla corruzione e la corruzione del moderno sottoproletariato “civilizzato”»7. Pertanto, i "vagabondi" erano particolarmente pericolosi per l'assolutismo Tudor.

Nella seconda metà degli anni '90, nuove caratteristiche cominciarono ad apparire nei disordini dei poveri urbani, che allarmarono ulteriormente i detentori del potere. Così, sulle carte della marchesa di Salisbury, si conserva un verbale del giugno 1595 secondo cui in alcuni casi apprendisti ribelli entrano in contatto con soldati che, durante le adunanze, convincono gli apprendisti di non conoscere ancora la propria forza, e offrono i loro servizi come leader ribellione.

L'unificazione nella ribellione dei rappresentanti di vari settori della popolazione urbana, così come le rivolte per il cibo nei villaggi, parlano della crescente insoddisfazione generale del popolo britannico per la politica dell'élite dominante. L'evoluzione dell'assolutismo verso la reazione, l'aggravarsi delle contraddizioni tra aristocrazia e borghesia, il rafforzamento dei puritani, il riconoscimento dell'impossibilità di combattere il pauperismo, l'attivazione delle fasce più povere della popolazione furono i principali cambiamenti nella politica situazione in Inghilterra che non poteva non influenzare la mente e l'anima di Shakespeare. La ripresa della lotta letteraria in Inghilterra alla fine degli anni '90 avrebbe potuto avere un impatto significativo sullo sviluppo del metodo creativo di Shakespeare.

L'opera del grande drammaturgo inglese W. Shakespeare è solitamente divisa in tre o quattro periodi (alcuni studiosi considerano il periodo 1590-1600 come uno, altri lo dividono in due: 1590-1594, 1595-1600).

· Durante il primo periodo (1590–1600) Shakespeare si formò come drammaturgo, si formò un complesso di idee che sarebbe stato influenzato da lui durante tutta la sua attività creativa e furono gettate le basi del suo stile. Nelle opere di questo periodo si sente ancora l'influenza dei suoi talentuosi contemporanei, in primis T. Kid e K. Marlo. La maggior parte di loro sono scritti nel genere della cronaca storica e della commedia. La prima tragedia "Titus Andronico" segue in gran parte l'estetica della cosiddetta "tragedia sanguinaria", mentre "Romeo e Giulietta" testimonia già la maturità del talento del drammaturgo. Allo stesso tempo, nel suo atteggiamento, questa tragedia differisce notevolmente dalle opere successive di questo genere, affermando la grandezza dell'amore come forza che può trasformare il mondo. Nonostante la morte degli eroi, è intriso di tragico ottimismo.

Gli eroi della maggior parte delle opere di questo periodo sono giovani e affascinanti, e le stesse opere teatrali sono piene di ottimismo e fiducia nell'uomo; cantano valori umanistici.

Le cronache storiche possono essere definite una saga inglese, rivelando gli eventi turbolenti della storia del paese nel corso di diversi secoli, dall'era di re Giovanni al tempo immediatamente precedente l'era di Shakespeare. Sebbene non aderisca sempre a fatti storici (ad esempio, in Riccardo III), il drammaturgo riesce a creare un'atmosfera fedele dell'epoca, mostrare l'allineamento delle forze e il loro confronto che ha determinato la storia del paese e creare un ampio contesto sociale. Man mano che il talento di Shakespeare matura, aumenta la profondità psicologica dei personaggi, la loro complessità e incoerenza, che si manifestò con grande forza nell'immagine di Richard Gloucester, che divenne Riccardo III. Allo stesso tempo è in corso la ricerca del monarca ideale, che appare nell'immagine di Enrico V nell'omonima commedia, che fa di tutto perché l'Inghilterra diventi finalmente uno stato unico che superi la frammentazione feudale e la contesa civile che sono dannosi per il paese ("Riccardo II", "Re Giovanni") .

Il mondo delle commedie di Shakespeare nel 1590 armonioso e allegro. Siamo presenti alla celebrazione della vita, che si presenta come una mascherata luminosa. Molte avventure divertenti accadono con gli eroi, a volte si trovano anche in situazioni difficili, ma di conseguenza tutto finisce sempre bene. Questo è un mondo di persone gentili e generose, frizzanti di umorismo, che sanno godersi la vita, nonostante le sue contraddizioni. Il bene deve vincere.

1590–1594 – le prime cronache: “Enrico VI”, parte 2 (1590), “Enrico VI”, parte 3 (1591), “Enrico VI”, parte 1 (1592), “Riccardo III” (1593); prime commedie: La commedia degli errori (1592), La bisbetica domata (1593); prima tragedia Tito Andronico (1594).

1595–1600 - cronache: "Riccardo II" (1595), "Re Giovanni" (1596), "Enrico IV", parte 1 (1597), "Enrico IV", parte 2 (1598), "Enrico V" (1598) ; commedie: Two Veronians (1594), Love's Labour's Lost (1594), Sogno di una notte di mezza estate (1596), Il mercante di Venezia (1596), Molto rumore per nulla (1598), Le allegre comari di Windsor "(1598), " Come piace a te" (1599), "La dodicesima notte" (1600); tragedie: "Romeo e Giulietta" (1595), "Giulio Cesare" (1599).

· Il secondo periodo (1600–1609) nell'opera di Shakespeare è dipinto con toni tragici. Una svolta nell'atteggiamento di Shakespeare è già delineata nella commedia "As You Like It" e nella tragedia "Julius Caesar", risalente al 1599. Nella società inglese si preparano i sintomi di una crisi, espressa nella rivolta del conte dell'Essex, la sua sanguinosa repressione, le rivolte contadine e l'esacerbazione delle contraddizioni di classe, che in pochi decenni porteranno alla rivoluzione borghese inglese. Tra i ribelli c'era il conte di Southampton, al quale, secondo molti ricercatori, sono dedicati i sonetti di Shakespeare, nonché le poesie Venere e Adone (1593) e Lucrezia (1594). Tutto questo non poteva passare per Shakespeare. Quattro grandi tragedie si susseguono una dopo l'altra: Amleto (1601), Otello (1604), Re Lear (1605), Macbeth (1606), a testimonianza di una svolta nella visione del mondo del grande drammaturgo. Le speranze per la creazione di un mondo armonioso, accarezzate dagli umanisti, furono svanite e questo mondo stesso si rivelò un'utopia. Come afferma con amarezza Amleto, che i critici chiamano un "eroe riflessivo", "il legame dei tempi si è rotto" (in un'altra traduzione - "il secolo sarà dislocato"), e un tragico destino attende coloro che cercano di collegare il rotto collegamenti. La morte degli eroi è inevitabile, in quanto è il prezzo da pagare per la possibilità di cambiamento in una società marcia. Questo è il sacrificio espiatorio che deve essere fatto per il bene del futuro. Il grande traduttore di "Amleto" in russo B.L. Pasternak ha scritto che "Amleto" è "un dramma di grande sorte, un'impresa comandata, un destino affidato". Non è un caso che la prima poesia che apre le poesie di Yuri Zhivago nel famoso romanzo di B.L. Pasternak, era Amleto.

Il ronzio è tranquillo. Sono andato sul palco.

Appoggiato allo stipite della porta,

Cosa accadrà nella mia vita.

Il crepuscolo della notte è diretto verso di me

Mille binocoli su un asse.

Se possibile, abba padre,

Passa questa tazza.

Amo la tua ostinata intenzione

E accetto di interpretare questo ruolo.

Ma ora c'è un altro dramma in corso

E questa volta, licenziami.

Ma il programma delle azioni è pensato,

E la fine della strada è inevitabile.

Sono solo, tutto sta annegando nell'ipocrisia.

Vivere la vita non è un campo da attraversare.

Le commedie "romane" di Coriolano e anche Antonio e Cleopatra sono piene di tragedia. Anche le commedie scritte in questo periodo hanno una connotazione tragica e non portano più quella carica allegra che segnò le commedie degli anni Novanta del Cinquecento. Non c'è da stupirsi che siano chiamate commedie "dark" o "droga". A questo periodo sono adiacenti i sonetti apparsi in un'edizione piratata nel 1609. Rappresentano l'apice della poesia inglese, sia nella profondità della comprensione filosofica della realtà che nella potenza artistica. Alcuni di essi risuonano sia tematicamente che stilisticamente con le "grandi" tragedie e sono anche colorati da una tragica visione del mondo (confronta il monologo di Amleto "Essere o non essere" e il sonetto 66, il sonetto 127 ricorda "Otello"). Tutti i 154 sonetti formano due cicli di sonetti non equivalenti per volume, indirizzati ad un'amica e ad una “dama nera”, uniti da un eroe lirico che stupisce per la ricchezza del suo mondo interiore e la profondità dei suoi sentimenti.

1601–1608 - tragedie: "Amleto" (1601), "Otello" (1604), "Re Lear" (1605), "Macbeth"; antiche tragedie: Antonio e Cleopatra (1606), Coriolano (1607), Timone di Atene (1608); commedie: "Troilus e Cressida" (1602), "Il fine è la corona degli affari" (1603), "Misura per misura" (1604).

· Il terzo periodo (1609–1612) è il periodo più breve nell'opera di Shakespeare: ci vogliono solo quattro anni. Nel 1613 il drammaturgo tornò a Stratford-upon-Avon e cessò la sua attività creativa. In questo momento, solo quattro commedie escono da sotto la sua penna. In co-autorialità (probabilmente con J. Fletcher), è stata scritta la cronaca storica "Enrico VIII", che non appartiene al numero di opere significative di Shakespeare. Le commedie successive sono scritte nel genere della tragicommedia romantica, in cui compaiono elementi favolosi e fantastici, che è particolarmente caratteristico di The Tempest, in cui compaiono evidenti caratteristiche del barocco. L'autore accetta la tragedia della vita, in cui l'oscurità e la luce sono in costante lotta, ma alla fine il bene trionfa sul male.

Secondo il ricercatore shakespeariano Prof. A. Aniksta, “Shakespeare ha portato nuovi importanti principi artistici al dramma, che prima di lui non esisteva affatto nell'arte. I personaggi degli eroi nel dramma antico avevano solo una caratteristica importante. Shakespeare creò eroi ed eroine dotati delle caratteristiche di una personalità vivente spiritualmente ricca. Allo stesso tempo, ha mostrato i personaggi dei suoi eroi in fase di sviluppo. Queste innovazioni artistiche hanno arricchito non solo l'arte, ma anche la comprensione della natura umana.

2.1. Rispondere alle domande.

Quali sono le fasi dell'opera di Shakespeare? Quale fase è stata la più fruttuosa dal punto di vista quantitativo? Quale stadio era il più filosoficamente ricco? Qual è la ragione dei cambiamenti nell'atteggiamento del drammaturgo all'inizio del secolo? Come finì il lavoro creativo di Shakespeare? Come si spiega la straordinaria popolarità di Shakespeare nell'era elisabettiana?

Qual è il contributo di Shakespeare allo sviluppo del teatro mondiale? Come spiegheresti la formula di Shakespeare "Il mondo intero è un teatro e le persone in esso sono attori"? Quali leggi si applicano in teatro? Sono diverse dalle leggi vigenti nel mondo? In che modo le opere di Shakespeare differiscono dai testi da cui costruisce? Cosa spiega la natura sintetica dell'opera del grande drammaturgo?

Qual è il tema principale delle cronache storiche di Shakespeare? Qual è il conflitto principale delle cronache? Come viene drammatizzata la storia da Shakespeare? L'accuratezza storica è essenziale per un drammaturgo? Chi personifica l'ideale umanistico del sovrano nelle cronache di Shakespeare? Come si può spiegare l'appello di Shakespeare ai temi della storia antica greca e romana?

Qual è la particolarità delle commedie di Shakespeare? C'è una differenza di atteggiamento nelle commedie del primo e del secondo periodo dell'opera di Shakespeare?

Qual è la fonte della tragica sofferenza nelle tragedie di Shakespeare? Chi è la persona ideale per Shakespeare ("quella il cui sangue e la cui mente si fondono in modo così gratificante" - Amleto)? Una persona del genere è possibile? Qual è la ragione del cambiamento nella personalità dell'eroe tragico? Come cambia il carattere dell'azione nelle tragedie shakespeariane del secondo periodo rispetto alla fase precedente (ad esempio, con la tragedia "Romeo e Giulietta")? Che ruolo giocano le categorie morali nello sviluppo dell'azione e dei personaggi degli eroi delle tragedie?

Qual è la differenza tra le opere di Shakespeare dell'ultimo periodo? Quale uscita trova Shakespeare dal circolo tragico del periodo precedente? Perché questo periodo è chiamato romantico nell'opera del drammaturgo? Qual è la ragione dell'apparizione di uno strato fantastico così potente nelle opere teatrali di questo periodo? Qual è il tema principale di "The Tempest"?

Come si spiega l'emergere della cosiddetta "questione shakespeariana"? Quali prove di contemporanei abbiamo sull'opera di Shakespeare?

III.Le fasi principali della creatività.

Il percorso creativo di Shakespeare si divide in tre fasi. Dalle prime cronache, prime commedie e poesie a Romeo e Giulietta e Giulio Cesare (1590-1599); poi da "Amleto" a "Timone di Atene" (1600--1608) - un tempo tragico, che copre le vette del dramma shakespeariano, e, infine, il periodo tardo - prima di partire (1609--1613), drammi favolosi o romantici , tra cui le parole d'addio - "The Tempest" e l'ultima, un po' solitaria cronaca "Henry YIII", scritta, come credono alcuni ricercatori, non da Shakespeare da solo. Ci sono anche più divisioni frazionarie. Catturano sfumature aggiuntive senza cambiare la linea generale della creatività di Shakespeare.

Nei primi esperimenti, Shakespeare si rivolse al passato dell'Inghilterra, relativamente recente per quei tempi. Dapprima Shakespeare seguì la storia, poi, tuttavia, tornò indietro, tornando a tempi precedenti, rappresentando i guai della Guerra dei Cent'anni.

Se rompiamo l'ordine di apparizione delle cronache shakespeariane e le sistemiamo secondo la sequenza storica: "Re Giovanni" (1596), "Riccardo II" (1595), "Enrico IV" (parte 1-I, 1597- 1598) , "Enrico V" (1598), "Enrico VI" (parte G-III, 1590-1592), "Riccardo III" (1592), "Enrico VIII" (1613), poi dal tempo di re Giovanni il Senza Terra prima il regno di Enrico VIII, il padre della regina Elisabetta, in altre parole, vicino all'era di Shakespeare, si svelerà un quadro dell'ascesa dell'Inghilterra, della crescita della solidità e della grandezza del suo stato.

Le faide feudali, l'inimicizia delle rose scarlatte e bianche, la famosa battaglia di Azincourt, le guerre in Francia, la rivolta di Jack Keda, la battaglia di Bosworth sono pietre miliari importanti nella storia russa e, naturalmente, le figure più grandi: re, nobili, comandanti, eroi popolari: Giovanna d'Arco o Jack Caed - tutto questo è catturato in movimento dal vivo dalle cronache di Shakespeare.

Shakespeare trattava liberamente i fatti storici. Ha preso come base delle commedie non tanto i fatti quanto l'idea prevalente di questi fatti, di eventi e personaggi storici. Shakespeare era fedele alla storia in questo. È preciso quando si tratta delle tendenze del tempo, su dove e come si stava muovendo la storia inglese in quel momento. Shakespeare raggiunge verità ed espressività speciali nei tipi del passato, nella rappresentazione dei personaggi del passato. Non si tratta di un restauro, ma di fatto - tipi del passato, conservati, però, dai secoli passati all'era shakespeariana. In linea con l'era guidata dall'idea del tempo storico, quando il vecchio mondo è stato rianimato e il Nuovo Tempo è stato realizzato sullo sfondo, proprio come il Nuovo Mondo si è aperto attraverso l'oceano, Shakespeare si è incarnato in trame e situazioni storiche, e soprattutto nei personaggi, la natura dei tempi passati. Questo è storicismo artistico. Time at Shakespeare serve come risposta alle principali domande storiche e sociali. Nelle cronache di Shakespeare, ai feudatari dell'opposizione viene detto che non è la volontà del re ad abolirli, ma il tempo. E loro stessi, resistendo al potere accentratore, sono consapevoli che stanno cercando di fermare la storia.

Shakespeare ha travolto l'intero paese, l'intera nazione, le persone nel movimento storico. Lo sguardo di Shakespeare aveva un'estensione enorme nello spazio e nel tempo. Shakespeare ha riassunto i risultati millenari nelle sue cronache, osservando e mostrando la formazione dello stato inglese. Il potere shakespeariano si manifesta nella capacità di trasmettere sia il "tempo" come un'era che forma i "contemporanei" che la scala dei tempi storici.

Proprio all'inizio della cronaca "Enrico IV" si dice che gli inglesi devono compiere un dovere che grava su di loro da quattordici secoli. Quindi il re annuncia che "sono trascorsi dai dodici ai dodici mesi" da quando hanno deciso di adempiere a questo dovere. Si passa infine alle decisioni del Consiglio di Stato adottate “ieri”. Così, in una connessione viva e immediata, come qualcosa di vicino e tangibile, la storia viene compresa. I personaggi, e con loro Shakespeare e il suo pubblico, si sono sentiti partecipi di un processo che si è protratto per quasi millecinquecento anni: i secoli sono vissuti come reali come quello che è successo “ieri”.

Nella prima cronaca di Shakespeare, l'immagine di una vita patriarcale, un'esistenza pacifica e senza pretese, si oppone al "trambusto di corte", si pone come un rifugio seducente e gradito dagli elementi di sanguinose ambizioni che si sono manifestate, un rifugio desiderabile ma irraggiungibile. Il sentimento del corso storico del tempo si trova nelle svolte degli eventi e nei destini personali, si trova proprio all'inizio del percorso creativo del drammaturgo. E proprio lì, il bisogno di equilibrio si manifesta in una forma viva, e se ne coglie il prototipo sociale e il terreno reale.

Una serie di commedie intervallate dal ciclo di cronache nell'opera di Shakespeare: tutte e dieci le "commedie allegre" di Shakespeare furono create nel primo periodo della sua attività drammatica. Il contrasto nell'atmosfera sociale, morale ed emotiva di questi gruppi di opere è evidente: "giorni sanguinosi" nelle cronache e "giorni allegri" nelle commedie - "Commedia degli errori" (1592), "Sogno di una notte di mezza estate" (1595) , Molto rumore per nulla (1598), Come piace a te (1599).

Le cronache e le commedie di Shakespeare sono sfere indipendenti di creatività drammatica, tenendo conto dei diversi compiti dello spettacolo teatrale e delle peculiarità dei generi, ma non isolate, ma interconnesse. Le "commedie divertenti" sono correlate a cronache sature di dramma, ma non perché siano in grado di fungere da sfogo comico di tensione drammatica e non in funzione di un commento che susciti un buon stato d'animo.

Le prime tragedie contengono motivi che predicono la tragedia di Amleto e del re Lear. La partecipazione attiva del fratello Lorenzo alla sorte di Romeo e Giulietta, sollecitata e santificata dall'umanesimo rinascimentale, si conclude non con il trionfo del suo intento umano, ma con la morte degli eroi. Le circostanze sono più forti degli sforzi ispirati e delle buone intenzioni. La confluenza di eventi che ne hanno impedito il compimento non attenua la tragedia della situazione, non libera l'umanista attivo dal senso di colpa personale e indica la tragica discrepanza tra le idee ideali degli umanisti e la realtà ostinata.

Tra le opere di Shakespeare, quattro drammi "antichi" costituiscono un gruppo speciale: Giulio Cesare (1599), Antonio e Cleopatra (1606), Coriolano (1607), Timone di Atene (1608).

Giulio Cesare è un'opera teatrale di inizio secolo, un fenomeno di transizione nell'opera di Shakespeare. Segue nove cronache della storia inglese, un ciclo incompiuto di cronache nazionali, che amplia l'orizzonte storico del dramma shakespeariano. Precede le grandi tragedie ed è una "tragedia-cronaca", un genere misto e di transizione. Si concentra sulla storia politica di un'epoca critica e sul tragico destino dei suoi grandi personaggi, esponendo le basi oggettive del movimento del tempo storico, l'inflessibilità del processo storico e le reali conseguenze delle aspirazioni e della volontà soggettive.

Come in altre sue opere teatrali, dispiegando l'azione in paesi stranieri e in altri tempi, Shakespeare raffigura anche l'Inghilterra contemporanea. Tuttavia, l'antica Roma in "Julius Caesar" non è uno pseudonimo di Londra, conserva caratteristiche sia nazionali che storiche. in "Giulio Cesare" sono evidenti il ​​clima politico e civile ei caratteri dei politici dell'antica Roma. In "Julius Caesar" l'azione è connessa con la città, con i problemi della città, e questo dramma è in realtà "urbano", dai prati vellutati sotto l'"albero verde" l'azione si trasferisce una volta per tutte sulla pietra della città. La stessa atmosfera urbana in "Coriolanus", e nell'attuale tragedia britannica "King Lear" la stessa crudeltà "di pietra" si manifesta nello stato d'animo dei personaggi.

Shakespeare trasmette uno stato specifico e paradossale: quando il progresso a tutto tondo, l'espansione degli orizzonti accorciano l'Universo nella mente umana, il mondo diventa angusto e piccolo. La folla cittadina in "Julius Caesar" appare come una forza formidabile, una tale forza di movimento storico, che non era nelle cronache della storia d'Inghilterra. Shakespeare simpatizza profondamente con i poveri urbani, soprattutto se alla mercé di astuti demagoghi, come nella tragedia Coriolanus, rende giustizia alle richieste delle masse urbane, è pronto a capire la sua estrema disperazione e amarezza quando è determinata andare a una rivolta.

E al di fuori dei drammi antichi, la tragedia di Shakespeare, come tutto ciò che è inerente a Shakespeare, si distingue per la sua scala. L'approccio moderno basato sullo storicismo vede la tragedia nelle opere di Shakespeare nello sviluppo di grandi processi che si rivelano attraverso i personaggi e la loro lotta.Tragedie shakespeariane.

Nella fase decisiva della sua opera, Shakespeare ascese alla tragedia che accompagnò il Rinascimento.

Ciascuna delle tragedie di Shakespeare è una tragedia del "suo tempo", nata dalle contraddizioni del corso principale della storia nel Rinascimento. La scoperta del Nuovo Mondo e la perdita di illusioni su alcune terre promesse

È importante che un contemporaneo shakespeariano sottolinei che l'Amleto divenne “pieno, pieno” dieci anni prima dell'apparizione della tragedia di Shakespeare: si stava formando il tipo perpetuato da Shakespeare. L'esclusività, la "solitudine" di Amleto, quindi, è condizionale. Amleto stesso non capisce bene cosa sia "ricordato" in lui. Da qui - la "misteriosità" della sua condizione, le sue osservazioni, i paradossi.

Nuove credenze nelle menti di Amleto e di tutti gli altri tragici eroi di Shakespeare non esistono in una "forma pura", ma in vari collegamenti e intrecci con credenze tradizionali. I personaggi eroici delle tragedie di Shakespeare sono una lega complessa creata dall'influenza di varie forze: un ambiente semi-patriarcale e il suo crollo, i tempi di transizione con la sua fermentazione tempestosa, che causano un'impennata spirituale e lo sviluppo borghese, che servì anche come base per i cambiamenti , e la causa della crisi.

In King Lear (1605) il materiale della tragedia è un groviglio di strati storici. Le persone in esso hanno paura delle streghe - e non hanno assolutamente paura di nulla al mondo, credono ancora nelle stelle - e non credono affatto in niente. L'uomo si sente sia un animale a due zampe che padrone del proprio destino. I tempi sono maturi, i conflitti sono stati determinati”. E questo non è solo un conflitto tra due generazioni, è il crollo di epoche secolari. La scala di ciò che sta accadendo: la storia non è nel senso - il passato lontano, simile al presente, ma la storia stessa come processo: una cosa se ne va, un'altra arriva.

Una disputa con sua figlia per un seguito: il re vuole lasciare dietro di sé un seguito come un guscio in cui il suo mondo sarebbe preservato, ridotto, ma sempre lo stesso mondo. Il mondo del valore di Lear è il mondo del valore rude, della giovinezza bestiale.

Shakespeare mostra con quanta tenacia le persone si aggrappano al "loro tempo" e come vengono portate avanti con esso. Il tempo è incarnato nelle persone Le parole chiave di questa tragedia sono radice, sangue, seme, gentilezza e soprattutto natura. Queste parole, in cui tempo e luogo si intrecciano - storia, sono saturate dal testo di Shakespeare. Dietro le parole - concetti, dietro i concetti - uno sguardo alle cose, uno stile di vita, proprio quello che è diventato fatiscente e si sta spezzando sotto la pressione del cambiamento.

La differenziazione delle persone in tragedia avviene a seconda di come comprendono la natura, in ciò che la cercano - in se stesse o al di sopra di se stesse. Per quanto grande sia l'arroganza di Lear, si considera ancora solo una particella della natura, mentre Edmund è molto più audace nel suo orgoglio, ma vede anche in se stesso il fulcro della natura.

Shakespeare, che dipinse l'antichità, il patriarcato è così interessato da essere persino sospettato di una predilezione "aristocratica" per il passato, in Re Lear quasi non rivela questa predilezione. Piuttosto, al contrario, con tratti taglienti chiarisce che il vecchio tempo è completamente invecchiato ed è sopravvissuto al proprio. Il passato se ne va. Shakespeare lo mostra in modo chiaro e succinto. Ma segue l'avvento dei tempi nuovi in ​​dettaglio e da diverse angolazioni.Shakespeare crea l'ultima tragica tensione o addirittura un tragico equilibrio di potere.

È impossibile dedurre da Shakespeare una sorta di "idea" di una riga, ma Shakespeare ha la sua saggezza speciale. Lo esprime brevemente in "King Lear", in sostanza in una frase: "La maturità è tutto".

Shakespeare è impegnato con l'analisi sia dell'uomo che della società - separatamente, in connessioni indirette e dirette. Analizza la natura sensuale e spirituale dell'uomo, l'interazione e la lotta dei sentimenti, gli stati mentali nei loro movimenti e transizioni, lo sviluppo degli affetti, il loro potere mobilitante e distruttivo. Incentra la sua analisi sugli stati critici di coscienza, sulle cause della crisi spirituale, sulle cause esterne e interne, soggettive e oggettive, superficiali e profonde. Rivela gli incentivi e la logica del comportamento umano nei suoi legami diretti e indiretti con la società. Tale inclusività, intuizione psicologica e sociale, accuratezza e ricchezza di analisi sono caratteristiche nella letteratura inglese del Rinascimento solo per Shakespeare, le sue tragedie - l'apice non solo della letteratura inglese, ma di tutta la letteratura rinascimentale europea.

In Otello (1604) non è nudo, anzi, si sottolinea, per così dire, la dipendenza della coscienza tragica dell'eroe e della sua morte dall'ambiente sociale. Otello è risorto con i propri sforzi, ma con le proprie mani sta rovinando il suo valore, gloria, amore e vita, rovinando non solo se stesso, ma anche Desdemona - l'incarnazione dell'ideale rinascimentale della femminilità, sublime, spiritualizzato e veramente terreno. Questa è la particolarità del personaggio del protagonista e la trama della tragedia. Per il momento, le aspirazioni di Otello e Iago non si sono scontrate, ma è arrivato il momento - e la collisione è diventata inevitabile. Questo non è uno scontro tra il nuovo e il vecchio: sia Otello che Iago non esistono di per sé, ovviamente in proporzioni diverse e in forme diverse, e i lineamenti del vecchio, entrambi sono sollevati dal Rinascimento, ma ciascuno nella sua a modo suo: l'uno - esprime le sue idee e in parte le applica ad un'ampia pratica di vita, l'altro utilizza con energia e immoralismo le norme rinascimentali, scatenate nel corso dell'offensiva del nuovo sull'etica trascendentale del Medioevo.

Iago si è liberato non solo dai pregiudizi, ma ha superato ogni sorta di ostacoli interni: in lui si ottiene una straordinaria flessibilità di carattere attraverso il completo disprezzo delle norme sociali. Questa non è la libertà della mente quando una persona, comprendendo la relatività delle istituzioni morali, è consapevole del loro significato storico, e se si assume la responsabilità di essere un giudice delle sue azioni, allora si affida alla ragione senza abusarne. Per Iago, la libertà è la libertà dell'arbitrarietà, perseguendo il guadagno personale.

Integrità, spontaneità e nobiltà di carattere sono la caratteristica fondamentale di Otello, viene individuata da Shakespeare come distintiva per una persona, corrispondente all'ideale umanistico. La questione del significato delle forze soprannaturali nel dramma shakespeariano, nello sviluppo delle sue trame e dei suoi personaggi, nel concetto di tragico continua ad occupare gli studiosi di Shakespeare, soprattutto in connessione con il problema del realismo dell'opera shakespeariana.

Nell'ultima tragedia di Shakespeare, Timone d'Atene (1608), viene invece sottolineata la connessione tra la tragedia dell'eroe e lo stato morale dell'ambiente sociale, e la crisi morale con l'influenza delle forze sociali materiali. Se il passaggio dal primo al secondo periodo sembra brusco, ma comprensibilmente naturale, allora lo Shakespeare dell'ultimo periodo sembra irriconoscibile. Il passaggio qui non è nemmeno così contrastante come la differenza tra l'ottimismo delle cronache, delle commedie, da un lato, e la cupezza delle tragedie, dall'altro. Nell'ultima fase, Shakespeare diventa, per così dire, un drammaturgo completamente diverso, sebbene continui a sviluppare gli stessi temi. Lo sviluppo degli stessi motivi, ma in modo completamente diverso, sottolinea il principio del cambiamento. L'impressione generale delle ultime opere di Shakespeare, condivisa da molti critici, è che si tratti di situazioni shakespeariane raffigurate, a quanto pare, non da Shakespeare, ma da un drammaturgo di un'altra scuola, anche se non ci sono dubbi sulla paternità di Shakespeare: le opere sono entrate in Shakespeare " canone”, e “La tempesta”, entrato nel percorso shakespeariano, apre la raccolta del 1623. Lo stesso Shakespeare è cambiato in modo significativo, e non solo entro i confini della propria evoluzione, ma anche sullo sfondo di un'era letteraria completamente diversa.

Questo è Shakespeare, un coetaneo più anziano di Donne e Webster, una generazione letteraria giovane e fondamentalmente nuova. Una generazione che ha riconosciuto il proprio debito nei confronti del tempo di Shakespeare, di Shakespeare, e che allo stesso tempo ha decisamente ricondotto Shakespeare al passato. Shakespeare, da parte sua, tenta di andare al passo con la nuova scena.Un tratto caratteristico delle opere successive di Shakespeare era la sempre crescente "anatomizzazione" della psiche umana, delle relazioni umane. Nelle opere di Shakespeare, il numero dei riferimenti alla Russia e ai russi cresce proporzionalmente all'aumento dei rapporti tra Inghilterra e Russia, rapporti posti su base statale proprio al tempo di Shakespeare.

"The Tempest" sembra tornare a un'ambientazione shakespeariana più tradizionale, alla cerchia dei tipici personaggi shakespeariani, e allo stesso tempo contiene un distinto motivo di "addio". Secondo la trama, lo spettacolo era una risposta diretta all'evento che era l'argomento del giorno, quando una grande spedizione inglese si schiantò al largo delle coste americane, vicino alle Bermuda, che Shakespeare fece ambientare per La tempesta.

CONCLUSIONE

Fondamentale per importanza e potere tra i giganti portati avanti dal Rinascimento, Shakespeare, rispetto a loro, ha una serie di caratteristiche. Shakespeare non si distinse per la versatilità esteriore così caratteristica delle figure del Rinascimento, compresi i poeti a lui vicini. Sul percorso di Shakespeare non ci sono state deviazioni significative dall'attività letteraria e teatrale, all'interno della quale Shakespeare si è mantenuto anche su un canale, principalmente e principalmente la drammaturgia.

Shakespeare è associato a una nuova fase di una conoscenza completa della realtà e della sua valutazione ideologica ed estetica, una valutazione spietata della società borghese emergente e dell'arbitrarietà assolutista, nonché un giudizio sobrio sull'umanesimo del Rinascimento, sulla sua grandezza e tragedia . È in questo che si esprime il realismo shakespeariano come una visione intrisa di storicismo, a volte spontaneo, a volte profondamente consapevole.

Shakespeare è la più alta espressione della letteratura rinascimentale inglese, anzi, di tutta la letteratura inglese: non c'è eguali a lui nella grandezza creativa, nel significato e nella fattibilità della sua eredità nella storia letteraria dell'Inghilterra. Genio nazionale, Shakespeare appartiene ai geni della letteratura europea e mondiale, a un ristretto numero di scrittori che hanno avuto e stanno esercitando un'intensa influenza sullo sviluppo di molte letterature nazionali e sull'intera cultura spirituale del mondo.

La visione delle cose di Shakespeare è straordinariamente reale. Tutto è afferrato da loro, tutto ha un prezzo reale. In questo sentimento, in questa realtà e sobrietà di percezione e trasmissione della realtà, l'essenza e la base del suo realismo.

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5. Bagdasaryan N.G. Culturologia Libro di testo per studenti di università tecniche M.: Superiore. Scuola, 2003.-680 p.

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Ci sono due fasi storiche nello sviluppo della biblioteconomia, che, a loro volta, sono divise in periodi. Il primo di questi è pre-scientifico: lo stadio del pensiero delle biblioteche, la preistoria delle biblioteche ...

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Ernst Iosifovich Neizvestny è uno scultore eccezionale del nostro tempo. Non è un caso che sia chiamato "L'ultimo Titano" o "Russo Rodin". Ribelle, combattente che ha attraversato i fronti della Grande Guerra Patriottica, è uno dei migliori scultori del nostro tempo...

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Chi non sa chi è Shakespeare? Tra la popolazione adulta, non solo in Inghilterra, ma anche in Russia, è difficile trovare una persona del genere. Molti ammiravano il suo talento, ma pochi lo capivano. Shakespeare era adorato e invidiato. Ciò, ad esempio, è evidenziato dalla traduzione letteraria del testo della biografia da disshelp.ru. Ora si sono sviluppate molte teorie sul fatto che Shakespeare non sia affatto Shakespeare, ma un gruppo di persone di cui si è appropriato le opere. Comunque sia, non susciteremo una vecchia storia, raccogliendo pettegolezzi di livello mondiale, perché vale la pena ammirare il suo lavoro e imparare a vivere in modo tale che ci sarà qualcosa da raccontare su di te in seguito e persino pettegolezzo. Quindi, sul lavoro di questo gigante del pensiero artistico.

I ricercatori distinguono tre periodi del lavoro del genio, che mostrano lo sviluppo coerente del talento del drammaturgo e il declino della convinzione che un giorno il mondo reale sarà giusto nei suoi confronti.
Primo periodo(1590) è chiamato ottimista, perché a quel tempo scrisse molte commedie, caratterizzate da una gioiosa percezione del mondo, fede nella felicità, amore e decenza umana. Qui vale la pena evidenziare opere come "Sogno di una notte di mezza estate", "La bisbetica domata", "Molto rumore per nulla". Molte delle commedie di Shakespeare sono state trasformate in film. I personaggi delle commedie sono vivaci, sfaccettati, amanti della libertà e semplicemente belli. Le immagini femminili non sono in alcun modo inferiori a quelle maschili e in alcune commedie sono scritte in modo molto più interessante.
Secondo periodo chiamato "tragico". Risale al 1601-1607, una caratteristica è che l'autore scrisse principalmente tragedie in questo periodo. Sono stati questi anni difficili che gli hanno portato fama e fama mondiale, perché ci sono creazioni così brillanti come Otello, Amleto, Re Lear, ecc., Che sono state girate in molti stati. Le tragedie di Shakespeare sono la profondità della percezione filosofica del mondo, contraddizioni interne che lacerano l'anima dell'eroe. Qui il maestro Shakespeare è stato in grado di mostrare magistralmente la sofferenza di una persona intelligente e determinata, incapace di vivere in conflitto con il mondo.
terzo periodoÈ consuetudine chiamare 1608-1612, che rivelano Shakespeare come un filosofo romantico, quindi non è un caso che alcuni ricercatori definiscano la sua opera sia romantica che filosofica. L'esempio più brillante è "The Winter's Tale", che è percepito dagli studiosi d'arte come una delusione per la realtà e una partenza nel fantastico mondo delle fiabe, in cui tutto è diverso, non è lo stesso della vita.
Hanno ammirato il lavoro di Shakespeare e anche i tuoi figli saranno molto interessati, perché il talento di questo creatore è già durato per 400 anni e, in futuro, come molti altri.

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